APETITO POR EL BUEN ROCK

GUNS N’ ROSES

Appetite For Destruction

Geffen (1987)

Imaginemos o recordemos esta escena: varios tipos con pinta de afeminados, con maquillaje barato en sus rostros, polos y pantalones pegados que a la fuerza trataban de resaltar sus miembros fálicos, todos morían por ser cool, ricos, famosos y levantarse a las chicas que podían conseguir a través del rock n’ roll; pero la música en sí, había quedado en segundo plano, sólo imperaba la pose, la actitud copiada y las imágenes andróginas con ritmos y líricas complacientes, en otras palabras, el rock , se encontraba en estado comatoso, aburrido y sin ningún atisbo de seducción. Afortunadamente, todo esto se fue al diablo, cuando casi a finales de los 80’s, 1987 para ser más exacto, una banda californiana integrada por cinco sediciosos- Axl Rose (voz), Slash (guitarra), Izzy Stradlin’ (guitarra), Duff McKagan (bajo) y Steve Adler (batería)-, típicas muestras del white trash norteamericano, con una actitud nihilista elevada a la enésima potencia y un rock pesado de raíces bluseras, inocularon al mundo entero su ópera prima, un disco de esos que los padres jamás quisieran que sus hijos lo escuchen, un disco lleno de canciones frescas y lenguaje fuerte, cien por ciento rock and roll, un disco que sirvió de bisagra a dos generaciones: la de finales de los 80’s con los nonatos de los 90’s, un disco llamado provocativamente Appetite For Destruction. Estos tipos se hacían llamar Guns N’ Roses, muchachos indomables al extremo, que más que rosas, eran puras pistolas y de grueso calibre.

Cuesta creer a simple vista, que un álbum tan exitoso, haya tardado cerca de un año en llegar a ser el número uno, pero si analizamos a profundidad, esto se debe a la censura inicial de la época, ya que cuando salieron las primeras 30 000 copias, las tiendas se negaron a venderlas, porque la portada -obra de Robert Williams- mostraba la consumación de un estupro a una joven ciega vendedora de juguetes por parte de un robot, el cual iba a ser devorado por un monstruo hambriento de múltiples patas; dichos discos fueron devueltos y puestos de nuevo a la venta con la famosa imagen de la cruz, que incluía las caras de los integrantes en forma de calavera. Si la portada inicial ya generaba polémica y malestar, pues la mayoría de las canciones tampoco se quedaban atrás, llenas de violencia, sexo, misoginia, apología a las drogas y demás excesos, causaron que los medios más populares de aquel tiempo, se negaran a promocionarlas por su contenido explícito, por lo que, la casa discográfica tuvo que lanzar la canción más inofensiva, Sweet Child O’ Mine, para que recién la MTV pasara un video de ellos, y eso fue lo que desató la invasión gunner.

Pasemos a lo que más importa, o sea, las canciones. En Welcome To The Jungle: un riff con eco, solitario y poderoso, nos da la bienvenida, se escucha un “Oh my God!” (“¡Oh Dios mío!”), a manera de sorpresa y pánico por lo que se viene, luego un Axl en su estado más primitivo, comienza a desgarrarse, emitiendo un grito salvaje y prolongado sobre unas guitarras que hierven al compás de una base rítmica llena de cadencias. Este track tiene dos significados: con respecto a la canción misma, trata sobre un muchacho pueblerino-alter ego de algunos miembros de la banda- que llega a vivir a una gran ciudad, en este caso Los Angeles, en donde va a aprender y probar de todo, con una advertencia que invita a dejar atrás la inocencia y candidez en el modus vivendi, porque eso sería el fracaso: “you know where you are?, you’re in the jungle baby, you’re gonna die!” (¿sabes dónde estas?, estás en la jungla nene, ¡vas a morir!”); con respecto al álbum, es una invitación al mundo de los Guns -“Welcome to the jungle, we got fun n’ games, we got everything you want...we are the people that can find whatever you may need” (“Bienvenido a la jungla, tenemos diversión y juegos, tenemos lo que quieres...somos las personas que pueden conseguir todo lo que puedas necesitar”)-, un inicio a la rebeldía y a la locura desatada, a las letras y actitudes decadentes, representantes de una generación que ya estaba envejeciendo y que recupera su vitalidad con estos tipos, lo suficiente como para trasmitir el gen a los que serían los nuevos jóvenes. Curiosamente fue escrita en Seattle, ciudad de la cual, en los 90’s, saldrían las nuevas bandas del recambio generacional.

Las machistas y misóginas It’s So Easy, You’re Crazy y Anything Goes, muestran la buena asimilación de sus influencias musicales, la primera tiene un intro de bajo de marca punk y cantado a diferentes voces, la segunda es acelerada y heavy con acordes de blues, y en la última, el empleo magistral del efecto Talk Box, no hace mas que confirmar que el rock en estos tipos, aseguró su vigencia por muchos años. En cuanto a licores, drogas y delincuencia, tenemos a Nightrain -dedicado al vino barato del mismo nombre, que solían beber como si fuera agua-, Mr. Brownstone -un cándido tributo a la heroína, droga en polvo de color marrón, del cual todos eran adictos- y Out Ta Get Me - sobre policías que no te dejan en paz, debido a antecedentes nada decorosos-, todas plagadas de cuerdas incendiarias.

Paradise City, con su conocidísimo arpegio, da inicio a unos entonados coros que piden un regreso al medio oeste rural – “donde las chicas son lindas y el pasto es verde-“ luego de haberse hartados de vivir en la jungla de concreto, unos minutos después las revoluciones se multiplican, creando un ambiente de bacanal musical. My Michelle, está inspirada en una amiga del grupo, con una vida llena de maltratos, desamor, de problemas familiares, en donde la única herencia que le han dejado sus padres es la adicción a las drogas. Think About You y Sweet Child O’ Mine, son las únicas con letras “positivas” sobre el amor, esta última que fue número uno a nivel mundial, tiene uno de los riffs de guitarra más conocidos y aclamados e imitados de la historia, Slash crea sobre notas repetitivas, una especie de elipse musical combinando simpleza y destreza, que da como resultado una tonada adictiva y agradable. Y por el lado sexual, que mejor muestra que Rocket Queen, que contiene grabaciones de voces y gemidos de un coito real, que fueron seleccionados de un puñado de “audiciones”.

A partir de este álbum, la carrera de los Guns N’ Roses fue cuesta arriba, llegando a ser los más populares y exitosos a nivel mundial por más de un lustro. El Appetite, significó un regreso y resurgimiento del rock en su estado más puro y rebelde, con una banda que hizo de él, un estilo de vida tan comprometido, que los llevó a ser una de las representaciones mismas de su quintaesencia. Es un manual sobre cómo hacer buenos riffs y solos de guitarras memorables e increíblemente pegadizos, con líneas de bajo generadoras de suites, con una percusión precisa y salvaje como los sonidos tribales, y una voz corrosiva llena de matices y tan expresiva, que al emitir gritos, ya está diciendo mucho. Aún hoy, estas canciones siguen sonando actuales y potentes, demostrando una vez más que la guitarra es el corazón del rock n’ roll y que los que optan por dejarla de lado, sólo pueden hacer un remedo de ello, así sea bien hecho, pero un remedo al fin.

Guns N' Roses: Duff McKagan, Slash, Axl Rose, Steve Adler e Izzy Stradlin

Laureles:
A la fecha, se han vendido más de 25 millones de copias en todo el mundo, lo que lo convierte en el álbum debut más exitoso de la historia del rock.

Los riffs de Sweet Child O’ Mine y Paradise City, están en el puesto 1 y 19 respectivamente, de la lista de los mejores de la historia del rock, según una encuesta de la revista Guitarra Total realizada en el 2003.

En el 2001, la revista Spin ubicó al Appetite en el número 1 de la lista de los álbumes más grandes del heavy metal y la Q Magazine, como uno de los 50 álbumes más heavy de todos los tiempos. Y en el 2003, la VH1 lo ubicó en el puesto 42 de su lista de los más grandes de toda la historia y la revista Rolling Stone, en el puesto 61 de un total de 500 producciones.

* Appetite For Destruction salió a la venta el 21 de Julio de 1987, bajo el sello Geffen.

Henry Flores

(publicado previa edición en la revista DEMO: www.revistademo.tk)

PAUL McCARTNEY
CHAOS AND CREATION IN THE BACKYARD
CAPITOL RECORDS (2005)

Con más de 40 años de vida artística, y con todos los logros y éxitos obtenidos, a estas alturas, haga lo que haga Sir Macca, lo puede hacer sabiendo que no tiene nada que perder ni nada que lisonjear, pero como ya es costumbre en él, siempre se las ingenia para sorprendernos dentro de su convencionalismo, mostrarse vigente y con muchas ideas creativas.

Chaos And Creation es el primero en estudio desde el Driving Rain (2001), en el cual toca la mayoría de los instrumentos de cuerda, vientos, teclados y percusión; de los trece temas, cuatro de ellos son ejecutados totalmente por él, tan igual como lo hiciera en McCartney I - su debut como solista- y en el McCartney II. Además, hay un elemento fundamental: la presencia de Nigel Godrich como productor –quien ha trabajado con Radiohead, Travis y Beck-, cuya producción no sobrecargada, ha logrado sonidos lozanos y agradables sin llegar a ser melifluos.

En Fine Line, tanto el piano como la batería crean un ambiente rock-pop festivo para una voz que suena joven a pesar de sus 63 años, de una de las estrofas sale una parte del título del disco: “There is a long way between chaos and creation If you don’t say wich one of these you’re gonna choose…”(hay un largo camino entre el caos y la creación si no dices cual de estos vas a escoger…). En How Kind Of You, el tópico, es la desesperanza total que logra superarse cuando uno encuentra a alguien con quien contar de verdad, unos loops de piano y guitarra completan el ambiente melancólico. La acústica Jenny Wren, es considerada “la hija” de Black Bird con algunas pinceladas de Mother Nature’s Son, estás dos últimas del White Album de los Beatles, los acordes son enriquecidos enormemente por el sonido clave de un duduk (una especie de clarinete), que le da otro matiz al estilo McCartniano del tema.

At The Mercy, Too Much Rain, Follow Me y This Never Happened Before son los surcos más convencionales, pero acaudalados con arreglos de cuerdas que les dan toques novedosos, destacando la última en mención, por el sentimiento con que es cantado, el piano preciso y una letra simple pero muy del corazón, que hacen de ella una de sus mejores baladas de los últimos 15 años, “I’m very sure, this never happened to me before, I met you and now I’m sure this never happened before. Now I see this is the way it’s supposed to be, I met you and now I see this is the way it should be” (Estoy muy seguro, esto nunca antes me había pasado, te encontré y ahora estoy seguro que esto nunca antes sucedió. Ahora veo que esta es la manera en que tenía que darse, te encontré y ahora veo que esta es la manera en que sería).

Friends To Go, fue compuesta según su autor, con una ayudadita de la “energía” de George Harrison, las principales notas son tocadas con una acústica, pero también se puede apreciar un rasgueo cortado de guitarra eléctrica -que le da más sustaine- y por momentos una segunda voz muy oportuna. Lo más rockero, lo encontramos en Promise To Your Girl, cuyo solo guitarresco reemplaza muy bien al cantante, de esta lírica sale la otra parte del título del disco: “Looking through the backyard of my life, time to sweep the fallen leaves away”(Mirando a través del patio trasero de mi vida, tiempo para barrer las hojas que caen).

Pasemos a las canciones más destacadas, en English Tea, el inicio con violín seguido de un séquito de cuerdas con una flauta al medio, acompañan de manera premeditada el homenaje con tonos sarcásticos que Macca hace de algunas tradiciones inglesas. A Certain Softness sobresale por sus arreglos, amén de una mezcla de bossa nova y bolero. Riding To Vanity Fair, que trata del fin de una amistad, es el más sombrío, con unos sonidos de vasos de cristal que nos van transportando con la mente a diversos lugares que se van creando con el ambiente de la canción. En el último track, Anyway, él termina hablando de su “nuevo concepto” del amor: “If our love is strong enough, it may never end” (Si nuestro amor es bastante fuerte , es posible que nunca termine), luego de algunos segundos de silencio, asoma un hidden track instrumental de 3 minutos que muestra su lado menos convencional, con una perfecta suite, compuesta de melodías disímiles entre si, empalmadas magistralmente por la dupla McCartney-Godrich .

Para los coleccionistas, la edición especial viene con un DVD que contiene un documental sobre cómo se hizo el álbum -donde se menciona que Godrich fue recomendado por George Martín y que en ocasiones tuvo que ser el crítico más implacable de Sir Paul, cuando éste último no lograba, por momentos, darle a sus canciones la trascendencia de su figura-, un video de la performance en estudio del single hit Fine Line y unas imágenes con movimiento de cámara que muestran los trazos y dibujos que se han incluido en el pequeño libro del disco.

Aquí tenemos un álbum que apuesta a ganador y que sale vencedor, gracias a la simbiosis Macca-Godrich, se nota la mano del joven productor, que ha revitalizado las canciones, haciéndolas frescas y atractivas, con muestras de mucha juventud amalgamadas con el genio creativo y virtuoso del ex beatle, quien ha demostrado tener cuerda para rato, aún cuando lo escuchemos cantar “When I’m Sixty Four”.

Henry Flores

*Publicado previa edición en la revista DEMO (Noviembre 2005)

CAFÉ TACUBA
UN VIAJE
UNIVERSAL (2005)

En octubre del año pasado, en el Palacio de los Deportes del México Federal, los Tacuba celebraron sus quince años ante más de 18 000 almas con un concierto “¡a todo dar mano!”. Pues la fiesta todavía continua y por todo lo alto, ya que en lo que va del año han sacado a la luz dos discos en vivo, uno de ellos es su aclamado unplugged para la MTV– grabado hace una década-, y el otro, es el registro del evento del que hablábamos al principio, llamado simplemente Un Viaje.

Resumir tres lustros de historia musical en sólo 2 noches, no es tarea fácil para cualquier banda, sobre todo, si como en el caso de los Cafetas, las composiciones abarcan un amplio espectro de estilos musicales, que van desde el rock, pasando por los coqueteos con la electrónica, el bolero, el mambo, la cumbia, la ranchera y un largo etcétera, hasta llegar al corrido mexicano; pero en esas noches, salen airosos en darles gusto a todos los presentes, desde el fan más nuevo-que se habrá enganchado a ellos con la balada Eres- hasta el admirador que guarda como un tesoro el disco Re.

Este recorrido, ha quedado plasmado en dos discos, con 29 canciones llenas de energía, virtuosismo y emoción, entre las que podemos mencionar sus éxitos propios como María, Rarotonga, Chica Banda, el Puñal y el Corazón, La Ingrata, Las Flores, Esa Noche, Chilanga Banda, Eo, Cero y Uno, Eres; también sus exitosas versiones de Como te Extraño de Leo Dan, Ojalá que Llueva Café de Juan Luis Guerra, Déjate Caer de Los Tres y No Controles de Los Flans; y sus bien recibidos instrumentales como La 2, La 6,Revés y otros temas más, que han hecho que este grupo, sea admirado mundialmente y sea considerado como uno de los más creativos de este lado del hemisferio.

En la edición especial, hay un tercer CD con 7 canciones que quedaron fuera de los primeros, ya sea por razones de espacio o por algunas fallas técnicas durante su grabación, destacando El Borrego, El Baile y el Salón y Amor Violento. Y como para redondear el asunto, se ha incluido un DVD con 23 temas y extras, donde podemos apreciar todo lo que Joselo y Quique Rangel, Emanuel del Real y Rubén Albarrán (ex Cosme y ahora Sizu Yantra) son capaces de hacer y dar en el escenario –la parte donde se ve que cantan en medio del coliseo y del público, es de antología-, con la participación de amigos como La Lupita, El Tri, Santa Sabina, Jaime López y Alejandro Flores. Una mención especial merece el público asistente, que demostró su amor, admiración y fanatismo, con palmas, gritos , vítores y cantando a todo pulmón, llegando en muchos momentos a emocionar a los mismos Cafetas, para muestra basta un botón: escuchen y/o vean María, que da inicio al concierto.

Una gran celebración para un gran conjunto, con gran público, con grandes canciones y grandes momentos, le creemos a Albarrán cuando dice: “...afortunadamente después de quince años, podemos seguir diciendo que llegó el Café Tacuba ¡pa’ que todo el mundo le meta tacones!....”, pues que sean muchos años más.

Henry Flores R.

*Publicado previa edición en la revista DEMO (Noviembre 2005)

ERIC CLAPTON
BACK HOME
WARNER BROS/WEA (2005)

Lo primero que se me viene a la mente cuando escucho el nombre de Clapton, es la imagen de un virtuoso guitarrista de blues y rock -su etapa en Cream hizo de él toda una leyenda-, luego la de un cantante de blues, imagen reforzada magistralmente en sus sentidos homenajes a Robert Johnson y en tercer lugar y a varios metros de distancia, la imagen de un cantautor de temas pop. Si alguien coincide conmigo, entonces debo advertirle, que si en este álbum esperan encontrar al guitar hero o alguna muestra de virtuosismo con las seis cuerdas, pues olvídenlo, ¡ah! otra cosa más, este disco tampoco rockea.

Back Home es el primero con material inédito en cuatro años desde el Reptile (2001) a pesar de no ser cien por ciento de Clapton, ya que de los doce temas, solo uno lo ha compuesto enteramente él, cinco de ellos tienen como coautor a Simon Climie (su coproductor y colaborador en muchas producciones) y los otros son covers de amigos como Harrison, Wonder y Gill, cuyas composiciones han sido “respetadas” en exceso, sin ninguna actitud iconoclasta. Un punto a destacar, aparte de la banda que lo acompaña, es la colaboración de talentos como Billy Preston, Vincent Gill, Stephen Marley y John Mayer, que logran crear un fondo musical muy bien elaborado pero a la vez muy natural en su ejecución, amén del virtuosismo y la capacidad de improvisación de estos músicos.

Algunas de las canciones están inspiradas en la actual vida familiar del guitarrista, en So Tired es un padre amoroso y esforzado, “...the baby’s only feeding and one of them is teething...thanks God, their mama is a natural, she knows exactly what to do and as for me I think I’d go insane, I just wouldn’t have a clue” (el bebé solo come y una de ellas esta en dentición...gracias Dios, su mamá es una innata, ella sabe exactamente que hacer y en cuanto a mi creo que me volvería loco, apenas tendría una pista), el tema, con solo de guitarra incluido, es complaciente, y divierte cuando se escucha unos llantos de bebé en los coros finales. En Say What You Will, con base rítmica en plan reggae, es un marido enamorado y profundamente agradecido con la madre de sus hijas, “You know I needed a friend I could tell my troubles to, and you have been my friend, so I will my love to you”(sabes que necesitaba un amigo a quien contarle mis problemas, y tu has sido mi amiga, por eso te daré mi amor).

Revolution, el primer single, es un apetitoso reggae shuffle, deliciosamente sazonado con la percusión de Stephen Marley (ex Melody Makers) cuya lírica se puede encontrar fácilmente en cualquier libro de autoayuda. Lo mejor del disco, lo encontramos en Lost And Found, un blues rock coescrito con Bramhall II y Jeremy Stacey, si bien la guitarra solista sigue siendo algo tímida, el sentimiento con el que Clapton la canta, lo hace estar por encima de las demás.

De los covers destacan notablemente: Love Comes To Everyone, una hermosa canción pop que muestra el lado filantrópico de George Harrison y I’m Going Left de Steve Wonder, cuyos coros por momentos coquetean con el gospel.

En su página web, Clapton dice que este álbum completa aquel ciclo iniciado en Journeyman (1989), en términos de hablar acerca de su vida como músico itinerante, en donde ahora se ha encontrado consigo mismo, empezando una nueva familia. Es por eso la elección de este titulo para el disco, que da a entender un regreso a casa y un quedarse en casa, aunque sabe muy bien que el próximo año estará de nuevo en la “carretera” tocando esta música. Así que de una vez por todas aceptemos la realidad, el tipo ya tiene 60 años, es feliz con sus pequeñas hijas, ha preferido guardar por un tiempo la guitarra para dedicarse a jugar con muñecas, pero también aceptemos que es uno de los pocos artistas que puede darse el lujo de hacer álbumes como este sin perder un ápice de credibilidad y creatividad; ojalá que no pase mucho tiempo para verlo empuñar de nuevo la Strato y que la haga sonar como sólo los dioses saben hacerlo.

Henry Flores R.

*Publicado previa edición en la revista DEMO (Noviembre 2005)

¡¡¡QUE BUEN INICIO DE PRIMAVERA !!!!

Sabemos, que en el mes pasado se inició la primavera, si ya lo sé, casi nadie en Lima se dió cuenta de eso, debido al clima frío aún imperante, pero vaya que para mi ha estado muy pero muy caliente, gracias a los discos que se han publicado en este setiembre glorioso. Sino me creen, pues miren esta lista:

• Bob Dylan / No Direction Home : 30 agosto
• Eric Clapton / Back Home : 30 agosto
• The Rolling Stones / A Bigger Bang : 6 setiembre
• Paul McCartney / Chaos and Creation in the Backyard : 13 setiembre
• B.B. King / 80 : 13 setiembre
• Buddy Guy / Bring 'Em In : 27 setiembre
• Niel Young / Prairie Wind : 27 setiembre
• The Band / A Musical History : 27 setiembre

Increíble no?, un retorno a lo grande de estos "dinosaurios", la mayoría con material inédito. Muy pronto publicaré las críticas y/o comentarios respectivos de cada disco...paciencia!!!! y hasta la próxima.

Henry Flores R.

SEGUIMOS EN LA RUTA

INYECTORES en la Noche de Barranco
(jueves 15 de Setiembre del 2005)

10 pm – 10:35 pm: Cuando llegué al lugar (10 pm) vi a muchos chicos esperando afuera, otros haciendo cola, una parte de la comuna estaba por ahí cerca, “preparándose” con una botellita de Punto G, se corría la voz de que iban a pedir DNI para ingresar, varios estaban preocupados, yo también porque mis documentos estaban en casa, falsa alarma. El ingreso con su correspondiente compra de entrada se hizo de manera ordenada, se exhibían los polos y discos de la banda (dicho sea de paso, me compré 2 polos, bravazos!!!). Una vez dentro, la gente hacia la espera con conversaciones y algunos traguitos, otros como yo se dedicaban a observar el lugar en busca de algún miembro de los INYECTORES, los pude ubicar por otra puerta, les dije que había escrito el primer comentario sobre su ultimo disco(publicado en la revista DEMO), se alegraron, me felicitaron, me autografiaron la revista, un disco y me tomé la foto de rigor, buena gente estos tipos, son muy carismáticos, sólo les pude entregar un ejemplar de la revista, Gabriel al toque se la guardó jajaja.

10: 40 pm – 11:25 pm: De regreso al lugar donde se va a realizar el concierto, subí al segundo nivel para tener una vista panorámica, la comuna estaba colocando su banderola, una muestra palpable del amor por la banda, pude contar aproximadamente 100 personas que luego se incrementaría a más de 150. A las 10:45 pm suben al escenario como teloneros la banda LIQUIDA, un “power trio” cuyo sonido le debe bastante al Grunge con retazos de Hard Core y coqueteos con el New Metal, tocaron 8 temas, destacando la canción El Miedo por su sonido y las “súplicas” cantadas del bajista en ciertas partes del tema, a pesar de que sus distorsiones suenan bien potentes(en parte debido a las pastillas dobles que tiene la Gibson Les Paul del cantante) y el baterista es muy bueno y se nota que domina su instrumento (logra llenar todo el espectro sonoro que puede abarcar un trío), en esta presentación se han podido notar dos puntos débiles: el primero es la falta de un buen vocalista, la voz principal no suena convincente, no logra empalmar con las cadencias de los temas y suena desafinado en muchos casos; la segunda debilidad son las notas repetitivas de sus “power chords” en la mayoría de las canciones (a cada rato se tocan los Mi y los SOL con un mismo estilo), desde de mi humilde punto de vista les sugiero que prueben con sonidos diferente de distorsiones de guitarra (un ejemplo claro son los Stone Temple Pilots o los Range Against The Machine), así cada acorde sonará “novedoso”. A las 11:20 pm terminaron su show, previo agradecimiento a los INYECTORES por haberlos “invitado” a tocar.

11: 26pm – 12:50 am: La espera por verlos se hacía más inquietante, el público estaba con una expectativa elevada a la enésima potencia, hasta que por fin a las 11:35 pm aparecieron en el escenario, tras una breve prueba de sonido y un saludo al entrañable amigo Guillermo Figueroa(ex baterista de G3), iniciaron su potente show con el mismo tema que arranca su primer disco, Bombardero, obviamente se inició el pogo, el show duró 1 hora y cuarto, donde tocaron 16 temas de sus 2 primeros discos( Bombardero y Rompecaminos), 4 temas de G3 (Piloto 43, Violencia Fabricada, Presión y Antisocial) y 1 tema de Autopsia (Mayoría Equivocada). Hay un tema que hizo falta, 7 vidas, tiene una letra de la “puta madre”, por favor considérenla para la próxima presentación. El publico se portó muy bien (destacando una “rubiecita” de polo verde militar que hizo un show aparte con sus cadencias gestuales propias), estuvo a la altura de la performance de la banda, cantando, pogueando, animando, aplaudiendo y gritando. A las 12:50 am terminó todo, la gente contenta, sudada, extasiada y bien servida; por mi parte estuve tratando de ubicar a toda persona que hubiera tomado las fotos del evento para que me los pasen por email y asi acompañar esta crónica pues. Ricky ya no tenía ningún pick para regalar, así que no quedaba otra que salir del lugar, tomé mi taxi hasta Pueblo Libre, contento y sin voz(de tanto haber cantado) me retiré a casa porque al día siguiente había que estar en la chamba....amigos INYECTORES, gracias de nuevo por esos acordes llenos de potencia y melodía y letras que en verdad “dicen algo”!!!
Henry Flores R.

Lista de temas:

1. Bombardero: inicio del concierto, inicio del pogo e inicio de una buena noche.
2. El Valle de Rafael: dedicado al mono Rojo, ¿alguien tiene idea de quién es?.
3. Salvación: pogo mixto, el baterista estuvo bien contundente.
4. La Mente es un Lugar: mi mente solo estaba en la Noche de Barranco.
5. Un Mundo Nuevo: esta vez sólo hubo pogo masculino, demasiado golpe pues!! jaja
6. Tristeza: “esta es una canción alegre” (Gonzalo).
7. Piloto 43: primer cover de G3, dedicado a Pipe y Guillermo.
8. Amistad: dedicado a la comuna de Inyectores.
9. Camino al Sol: “esta tema está dedicado a la muerte” (Gonzalo)
10. Orbital: “dedicado a las personas que dependen de algo o alguien”(Ricky). Para mi es una canción de despecho.
11. Un Futuro: todos lo cantan pero sin poguear, buenos solos de guitarra.
12. Mayoría Equivocada: cover del grupo Autopsia, “...amerita que os calléis basura jajaja..”(Gonzalo).
13. Violencia Fabricada: de G3, “pa los que chupan y se esconden tras la botella”(Gabriel) , “como tú jajaja” (Ricky y Gonzalo).
14. En un Rincón: comenzó con un riff que se interrumpió a manera de broma.
15. Parásito: comienzo rápido e intempestivo, pogo desencadenado.
16. Presión: de G3, una de las primeras composiciones que se hizo con Guillermo, esta vez el pogo le correspondió a los fans más nostálgicos.
17. Marco: “dedicado a los que se les perdió la mamá” (Gonzalo).
18. Soñador: ¿qué canción quieren?.....no sean eyaculadores precoces jaja...”(Ricky).
19. Poder Volar: con está comienzan a anunciar que ya se retiran.
20. Antisocial: de G3, pogo apoteósico, semi destructivo, todo vale!!!!.
21. Última Parada: la última de la noche, pogo festivo al compás de letras positivas.
    
    
    

INYECTORES

DESENCHUFADO
Mundano Records (2005)

Han pasado ya más de 5 años, desde que Farfán(guitarra, voz) y Bellido(bajo, coros) dieran por terminada una etapa memorable con G3, para luego formar Inyectores junto a Noriega (guitarra, coros). Durante este tiempo han sacado 2 producciones llenas de “rock punk melódico” -Bombardero (2001) y Rompecaminos (2003)- que le han dado a la banda el reconocimiento del público. Mientras componen y graban su tercera placa en estudio, nos entregan un disco en vivo, y no es como podría suponerse, una presentación llena de acordes distorsionados al compás de una batería desenfrenada y de los fans más enardecidos en las faenas del “pogo”, sino todo lo contrario, el Desenchufado, es un álbum enriquecido de guitarras acústicas, juegos de voces y con invitados que nos dan más de una sorpresa.

El comienzo, un tímido sonido de guitarra, son los acordes iniciales de En un Rincón, no hay coros en ella, Farfán la interpreta de manera impecable y el público la recibe muy bien, buen inicio para este unplugged. Salvación y La Mente es un lugar son canciones acompañadas con segunda voz, en la primera el solo de guitarra es generoso y la otra ha sido transformada a una balada, lo que le da un tono más reflexivo a su mensaje. Un sonido de platillo nos lleva a Mi Otro Yo, primer cover de esta sesión, un tema del entrañable G3, extraído de su álbum de despedida En Casa (1999), para los fans más acérrimos debe ser difícil escucharla sin sentir cierta nostalgia por el pasado, sobre todo en los coros que suplican por “el aire que nos niega el mundo real”.

Poder Volar, canción que suele ser una de las más “pogueadas” y potente, tanto en estudio como en vivo, en esta versión, ha quedado desnudada y despojada de la vehemencia original, pero de tal forma que lo que escuchamos sigue siendo convincente y agradable, incluso el público se anima a “cantar” una pequeña parte de la letra. En Camino al Sol, se muestra un buen trabajo en el juego de voces. El primer invitado se hace presente en Un Futuro, Cynthia Moreno-excantante de Vox- demuestra su talento con una soberbia interpretación, en el estribillo su voz hace una especie de “simbiosis sensual” con la de Farfán, aunque el arreglo de cuerdas no sea del todo convincente, estos pasan a un segundo plano frente al desempeño de los cantantes.

Soñador, es uno de los temas más populares que tiene la banda, tiene una letra de esas que te hacen tomar decisiones sobre tu vida, es una de las “joyas” de sus primer disco, por eso es tan grande la decepción que uno siente al escucharla en esta sesión, los motivos sobran: las voces no logran acoplarse del todo, suenan muy disonantes, además se notan que están en un tono más bajo con respecto a la afinación de los instrumentos, en cuanto a la voz solista, por momentos no logra mantener la nota inicial, sobre todo en los finales de algunas frases, quizá si se hubiera cantado en tonos más altos, otro sería el resultado. Una de las sorpresas agradables del disco la tenemos en Rompeolas - original de la banda española Loquillo y Trogloditas -del LP Morir en Primavera (1985)-, en la voz principal, otro invitado de lujo, Manolo Barrios, líder de Mar de Copas, aquí él se adueña de la canción, la hace suya a tal punto que los Inyectores en ese momento pasan a ser su banda de acompañamiento, el ambiente se llena de “romanticismo” debido a la “nostalgia” y la “inocencia” de la letra.

En un Mundo Nuevo, el juego de voces suena muy agradable, es el track que mejores arreglos de guitarra tiene. El último invitado, Pipe Villarán -ex G3 y actual líder de los Fuckin Sombreros- se hace presente con la segunda voz y guitarra en Viviré, una de las emblemáticas de G3, del álbum Psicotropia (1995), esta versión destaca por una buena vocalización a dos voces -que permite que la letra sea entendida y disfrutada en su totalidad- y su base rítmica, otra invitación a la nostalgia. El final del disco llega con la última, si, La Última Parada, la melodía más festiva, Farfán nos canta con líricas llenas de optimismo: “llegó el momento de tu vida para buscar la salida....solo debes seguir, pensando en que no te volverás a equivocar”, demostrando que el rock también sabe dar buenas lecciones de vida.

Grabado en Mayo del 2004 en el Centro Cultural La Noche de Barranco, lanzado en agosto de este año y producido enteramente por la banda, este disco “desenchufado” ofrece doce temas cargados de melodías, que destacan por sus arreglos sin necesidad de recurrir a violines, cellos, pianos y demás elementos que utilizan otras bandas para “llenar” sus canciones en este tipo de actuaciones. Además logran, en muchos momentos con resultados notables, mantener la “fuerza” de las versiones originales. Entonces, con optimismo, quedamos a la espera del inminente nuevo disco en estudio.

Henry Flores R.

*Publicado previa edición en la revista DEMO (Agosto 2005)

GARBAGE
BLEED LIKE ME

Geffen Records (2005)

Luego de 4 años del más absoluto silencio musical, donde lo único que se escuchaba de esta banda eran los rumores de una separación y de los problemas de salud de la cantante, Manson (voz), Vig (batería), Marker (guitarra) y Erikson (teclados), deciden volver a la escena rockera con un potente disco, el esperado Bleed Like Me, en donde la guitarra es la protagonista.

El primer track, Bad Boyfriend, nos advierte que los Garbage han regresado para rockear, incluso más que antes. Unos acordes distorsionados dan la bienvenida a la voz de Manson, que comienza a acariciarnos suavemente para luego verse interrumpida por distorsiones a alto volumen, que decaen nuevamente para acompañarla en sus exigencias y pretensiones a un hombre, que luego terminan convirtiéndose en súplicas por un amor fingido: “If you can’t love me honey, go on!, just prentend” [Si no puedes amarme cariño, sigue!, sólo simula]. El sonido de batería es cortesía de Dave Grohl (ex Nirvana y actual líder de Foo Fighters), quien vuelve a trabajar con Vig luego de muchos años, cuando este último le produjo el multiplatino Nevermind.

En Run Baby Run, la canción mas pop del disco, la batería y los acordes simples fabrican una dulce melodía cargada de furia guitarrera en los coros. El uso de loops se hace evidente en Right Between The Eyes, donde una incisiva guitarra le imprime un toque festivo a la canción, que se contrapone a los versos desesperanzadores que nos hablan de la crueldad que hay en este mundo.

El primer single del disco es Why Do You Love Me, en cuyos coros se puede percibir toda una supercapa de sonidos distorsionados, dejando en evidencia la influencia del mítico Phil Spector sobre Vig como productor, influencia por cierto reconocida en muchas de las entrevistas que ha dado la banda. Faltando poco mas de un minuto para el final, unos momentos de quietud nos sorprenden, son momentos de impotencia, en la que una Manson resignada muestra sus inseguridades en el amor: “I think you’re sleeping with a friend of mine, I have no proof but I think that I’m right” [ Pienso que te estás acostando con una amiga mía, no tengo prueba alguna pero creo que estoy en lo cierto].

En Bleed Like Me, un sonido lento e inquietante de guitarra con un cello de fondo, son propicios para cobijar a la melodiosa voz que no grita ni se desgarra, sino todo lo contrario, a manera de susurro nos cuenta historias de gente desconocida que tienen en común el sufrimiento y la frustración, el muchacho que quiere ser mujer, la chica con insuperables sentimientos de culpa, el alcohólico que quiere sobrevivir, todos ellos son confrontados con el sufrimiento de la cantante que al final se “desangra” con unos versos que invitan a ver sus “cicatrices”.

Los sonidos electrónicos se hacen presentes en canciones como Heart y Boys Wanna Fight, no hay renuncias a las guitarras distorsionadas aunque se percibe un mayor uso de supercapas de sonido. Sex Is Not The Enemy y Why Don’t You Come Over son las canciones más festivas del disco, melodías simples que uno quiere escuchar una y otra vez, no porque sean trascendentes sino porque divierten. It’s All Over But The Crying y Happy Home, son las prescindibles del disco, la ausencia de guitarras en la primera y la larga duración con final en plan fade out de la otra, impiden que este retorno sea del todo contundente y que nos deje con ganas de más canciones nuevas.

Garbage, a pesar de tener solo 4 producciones en toda una década, demuestra que conoce muy bien su oficio, el de ser una banda que compone y produce buenas canciones de hard pop, con letras que difícilmente pasan desapercibidas debido a la fuerza interpretativa de su cantante. En la mayoría de las canciones del Bleed Like Me, encontramos la misma fórmula: guitarras distorsionadas, más una base rítmica acompañada con loops y una sensual voz femenina que por ratos tiene sabor a víctima y en otros, nos recuerda a la más feroz de las putas o rompecorazones, pues es difícil para Manson ser considerada una chica normal, siempre está entre dos extremos, y eso lo saben y lo aprovechan muy bien sus tres compañeros productores.

Henry Flores R.

*Publicado previa edición en la revista DEMO (Agosto 2005)

THE WHITE STRIPES
GET BEHIND ME, SATAN
V2 RECORDS (2005)

En su fabuloso austero pero efectivo disco anterior, Elephant (2003), Jack White gritaba desesperadamente que no sabía que hacer consigo mismo ( en la canción I Just Don´t Know What To Do With Myself , tema original de Burt Bacharach y Hal David), y es que luego del éxito de su tercera placa White Blood Cells (2001) y de su consolidación en el 2003 con el hit Seven Nation Army, esta frase parecía escogida deliberadamente como súplica por una respuesta ante la pregunta sobre qué camino artístico debería tomar él (es decir, los White Stripes) en los próximos años, la respuesta, señores, la tenemos por fin en el Get Behind Me, Satan.

Esta quinta placa de los “hermanos” White (Jack y Megan), lanzada en Junio de este año, es un ejemplo claro de la evolución no natural pero si bien calculada de una banda de rock, en donde se entrega un poco más de lo mismo porque es lo que mejor saben hacer sin correr el riesgo de sacrificar el “respeto” ganado, pero agregándole nuevos elementos para darse esperanzas de evolución creativa y de paso dárnoslas a nosotros mismos y por ende dar esperanzas al rock y todo lo que involucra. En cuanto a la música, se han vuelto un poco más barrocos, manteniendo el equilibrio entre la melodía y la improvisación al que ya nos tienen acostumbrados, además han incluido nuevos instrumentos, aparte de la dupla guitarra y batería, entre los cuales sobresalen el uso de la marimba y el empleo del triángulo. Obviamente, Jack mantiene la calidad de sus letras, pero esta vez le ha impreso un toque más satírico, y los cortes My Doorbell y Passive Manipulation son claras muestras de ello. En lo que respecta a Megan, a pesar de que solo canta poco más de medio minuto en todo el disco, su sonido de batería se muestra contundente aunque ya se hace necesario que aprenda más técnicas con sus baquetas.

Pasemos a revisar algunos surcos del disco para darnos alguna idea de como suenan las canciones. Veamos el primer track, Blue Orchid, single y hit del disco. Comienza con un riff simple, repetitivo y pegadizo, acompañado por una base rítmica sin variaciones que da la impresión de que solo se emplea para marcar el tempo, pero este es el negocio de los Stripes, minimalistas ¿no?. La canción es pegadiza, fácil de asimilar y efectiva al trasmitir el ritmo y el mensaje al oyente, en ella el cantante dice que algo es mejor que nada, luego le pregunta a una chica sobre cuan atrevida es y cuantos años tiene, le reclama que nada la complace y luego le pide que se coloque detrás de él, acaso le esta cantando al demonio disfrazado en una mujer?. La melodía no sorprende porque sigue el estilo ya clásico en ellos, con una voz que hace uso del falsete , pero gusta como el chicle.

En Nurse, se escucha un elemento nuevo en la música de este dúo, el empleo de la marimba, interrumpido cada cierto tiempo por un riff corto acompañado de un golpe de bombo y platillo, en el estribillo se habla sobre la promesa de no defraudarle a alguien, luego se agregan unas dulces pinceladas de piano. Pasando al segundo single del disco, My Doorbell, esta comienza con una percusión acompasada y festiva , que sirve de entrada al piano y a la voz, una melodía pegadiza y con una letra divertida que evoca el timbre de una puerta a cada momento.

De nuevo la marimba entra en acción en Forever For Her (Is Over For Me), pero esta vez para acompañar a una preciosa balada, los timbres alegres de la marimba hacen un contraste perfecto con la melodía triste y desesperada que retrata la frustración que siente un hombre cada vez que pelea con su pareja. En Little Ghost, canción acústica con base rítmica simple, los Stripes demuestran lo bien que han asimilado las influencias de la música country. Luego, la fuerza del grupo se hace presente con The Denial Twist, excelente canción, donde sale a relucir el espíritu “garagero” de la banda, es toda una clase maestra de como lograr hacer música cruda con solo un piano y una batería.

Jack frente al piano puede ser capaz de crear melodías dulces, una clara muestra de ello es White Moon, pero lo que más llama la atención de esta canción, es la manera en como le demuestra su admiración a la legendaria y guapísima Rita Hayworth con una letra tierna y surrealista a la vez. Otra de las gratas sorpresas, es la canción Instinct Blues, tema crudo, un blues eléctrico con mayúsculas, lleno de guitarras distorsionadas con variaciones de tiempo, que por ratos se hace lento pero solo para recobrar fuerzas y arremeter de nuevo de forma visceral, cuenta con un final propio de una actuación en directo.

La “vedette“ del disco es Passive Manipulation, la única canción que canta Megan (lástima que solo dure un poco más de medio minuto), en ella se aconseja a las mujeres a que no sucumban ante los deseos de los hombres, se escucha de fondo el piano de Jack con una tímida percusión. La letra es tan sarcástica y divertida, que a pesar de ser corta consigue llamar muy bien la atención. Take, Take, Take, otro corte surrealista y otro homenaje a Rita Hayworth, cuyos acordes de piano acelerados y desacelerados hacen una perfecta suite con la voz de Jack, pero a pesar de eso es una canción prescindible.

En As Ugly As I Seem, es imposible evitar el acompañar esta canción con las palmas, una demostración de que se han nutrido muy bien del folk, al escucharla uno confirma que los White Stripes tienen un buen y amplio bagaje musical. La crudeza vuelve a aparecer con Red Rain, el inocente inicio con un suave sonido de guitarra slide evita que presagiemos la buena dosis de distorsiones que nos espera, no se extraña para nada ni al bajo ni a los teclados. Con sus versos, Jack no solo reclama, sino que exige la atención de las mujeres, ¿será un mensaje para Meg o Renee Zellweger?.

Y por último tenemos a la hermosa balada I’m Lonely (But I Ain’t That Lonely Yet),cuya melodía es de esas que a uno le agrada escuchar en invierno u otoño, en donde se habla de la soledad física acompañada de buenos recuerdos y sentimientos hacia los seres queridos. El piano una vez más empalma de manera perfecta con la voz y sobre todo con lo que se quiere trasmitir.


Luego de navegar y surfear por todos las canciones, podemos llegar a la conclusión que el Get Behind Me, Satan es un buen disco lleno de melodías pegadizas y variadas con una base rítmica efectiva, con poquísimas pero agradables sorpresas, no estará a la altura de su predecesor, pero le sirve a los White Stripes para mantener el statu quo como uno de los abanderados del nuevo rock de “garage” y del rock en general. En cuanto a nosotros, los simples mortales, es bueno saber y sobre todo escuchar, que todavía en estos tiempos es posible seguir haciendo buena música con elementos simples, sin caer en situaciones vergonzosas y decepcionantes (esto va para los Strokes!), y viajar a la velocidad del sonido con solo presionar play.

Henry Flores R.

*Publicado previa edición en la revista DEMO (agosto 2005)