UNO DE LOS MAS INFLUYENTES, UNO DE LOS MENOS POPULARES

MUDHONEY: Historia y una mini entrevista

Si hiciéramos una encuesta sobre bandas grunge, casi todos mencionarían a Pearl Jam, Soundgarden, Stone Temple Pilots o Alice In Chains, es más, muchos creen que estas fueron las primeras en crear aquel sonido “sucio, rabioso y melancólico” que caracterizó aquella escena, afirmaciones muy alejadas de la realidad - con excepción de Soundgarden- y así fue como nos lo vendió el mainstream de aquel entonces. Por eso se hace necesario mencionar que la primera banda en ser considerada grunge fue Green River - conformada por Mark Arm (voz), Steve Turner (guitarra), Jeff Ament(bajo), Stone Gossard (guitarra) y Alex Vincent (batería)- cuya aparición allá por 1985 llamó la atención de muchos por su sonido crudo y lleno de vitalidad, amén de una mezcla de punk con heavy metal, terminando dicha aventura en 1988 debido a tensiones dentro del grupo. Ament y Gossard pasarían a integrar Mother Love Bone para luego formar Pearl Jam, mientras que Arm y Turner junto a Matt Lukin en el bajo y Dan Peters en la batería, formarían Mudhoney, cuya música además del punk metal tiene otros elementos como el rock de garage y algunos riffs de los Stooges.

Primera formación de Mudhoney: Steve Turner, Dan Peters, Matt Lukin y Mark Arm

Quizá Mudhoney pasará a la historia como una de las bandas grunge menos conocidas a nivel mundial, pero a la vez como la más influyente durante la época emergente de la escena de Seattle, tanto en sonido como detrás de los escenarios. Su single debut "Sweet Young Thing Ain't Sweet No More" / "Touch Me I'm Sick" de 1988, fue el primer éxito del sello SubPop, fue el aliciente que necesitaba esta pequeña e independiente compañía discográfica para seguir en su terca iniciativa de plasmar para la posteridad a la mayor cantidad de bandas nuevas que surgían en aquella parte del Noroeste de los Estados Unidos. En el escenario, sus actuaciones eran auténticas muestras de una entrega total de música y energía, cuya simbiosis con el público se traducía en arrebatos frenéticos y epilépticos con la guitarra, en pogos desencadenados sin importar el número de asistentes, en romper instrumentos a diestra y siniestra, en cantar e interactuar con los presentes a un nivel de “contigo me hago uno solo”, todo esto causaba un impacto profundo en la gente y motivó a muchos a formar sus propias bandas, si alguien piensa que exagero, pues los invito a ver las fotografías que Charles Peterson les tomó en diferentes actuaciones.

Unos meses después de su single debut, se edita su primer EP llamado Superfuzz Bigmuff -en alusión a los efectos de guitarra que empleaban-, haciéndolos más populares dentro del circuito, iniciando su primera gira norteamericana y posteriormente una gira europea a inicios de 1989 principalmente en Alemania como cabeza de serie de varias bandas, cuando SubPop comenzaba a cruzar las fronteras americanas. Meses después, los Sonic Youth, que habían sido admiradores de Green River, los invitan a una gira por tierras británicas, de repente comienzan a tomar contacto con la prensa de ese lugar y su EP logra colocarse en buena posición dentro de los charts indie y permanecer por varios meses; cuando su primer larga duración Mudhoney (1989) fue lanzado, ya eran considerados los nuevos héroes del rock underground . Debido a este éxito inicial, su sello discográfico comenzó a invertir buenas sumas de dinero en Soundgarden, Tad, The Fluid y Nirvana, ocasionando problemas financieros que retrazaron la salida de su Every Good Boy Deserves Fudge hasta la primavera de 1991, tiempo en el cual otras bandas ya habían firmado por sellos más grandes, como es el caso de Pearl Jam y Nirvana, cuyos éxitos masivos a finales de ese año opacaron el tan esperado segundo álbum de Mudhoney.

Mudhoney (1988): Foto que sirvió de portada para su primer EP Superfuzz Bigmuff

A raíz del boom del grunge a escala mundial, muchos sellos grandes comenzaron a fichar a diversas bandas de este tipo o con sonidos similares, y así en 1992 Mark Arm y compañía firman contrato con Reprise Records / Warner Bros. con la que hicieron cuatro álbumes: Piece Of Cake (1992), Five Dollar Bob's Mock Cooter Stew (1993) , My Brother The Cow (1995) y Tomorrow Hit Today (1998), destacando en especial los dos últimos que muestran un sonido más elaborado pero que fueron incomprendidos tantos por sus viejos fans que los acusaban de haberse olvidado de sus raíces y por los más jovencitos que consideraban su sonido demasiado excéntrico para el “estándar grunge” imperante, aunque sus actuaciones en vivo seguían siendo contundentes y muy atractivas. En el 2000 regresan a SubPop, lanzando dos discos recopilatorios en ese mismo año: March To Fuzz, que contiene lo mejor y varias rarezas musicales, y Here Comes Sickness: The Best Of The BBC Recordings, una especie de documental musical con tracks grabados en 1989 que salió bajo el sello Strange Fruit. Cuatro años después de su último disco en estudio y con un nuevo bajista australiano de nombre Guy Maddison, en el 2002 sale a la luz su octava producción (tomando en cuenta que su primer EP fue reeditado como álbum en 1990, incluyendo todos los singles hasta ese entonces) titulada Since We've Become Translucent, considerado como su mejor trabajo hasta la fecha, en el cual se les escucha más maduros, con un mejor sentido de la melodía y la distorsión, sin la crudeza inicial pero con canciones muy bien arregladas, donde se nota que han vuelto a disfrutar plenamente el hacer música lejos ya de toda la presión impuesta por el mainstream de los extintos 90s.

Mudhoney (2005): Steve Turner, Dan Peters, Mark Arm y Guy Maddison


Mudhoney en Sudamérica

Para su primer tour por Sudamérica, los Pearl Jam tuvieron una muy buena idea: la de invitar a Mudhoney como banda de soporte, dándole un mayor realce a tan esperado evento, ya que seria la primera vez que estas dos bandas hermanas, históricas , influyentes y vigentes, estarían juntas en tierras chilenas, argentinas y brasileñas, incluso algunos fans nostálgicos soñaban con que ocurriera alguna pequeña reunión de Green River en el escenario. En cada actuación los Mudhoney tocaron un promedio de 10 canciones en 40 minutos, con un set list que provenía de sus primeras producciones, con la intención de darle gusto a los antiguos fans y así saldar la pequeña deuda que nos tenían; canciones como Touch Me I’m Sick y No One Has sonaban como si el tiempo no hubiera pasado por ellos , con la misma crudeza instrumental y la misma voz desesperada y desgarrada , quizás ya no se les podía exigir algunas acrobacias en el escenario, el paso de los años pesan, pero la música sonaba como si hubiera sido conservada en un invernadero, tan igual como en sus años mozos.

Al día siguiente del primer show de Pearl Jam en Buenos Aires, estuve con un grupo de personas en las afueras de la entrada principal del hotel Sheraton, a la espera de que saliera alguno de nuestros héroes y nos firmara lo que sea. Media hora después de haber conocido en persona a Mike McReady, unos hermanos súper fanáticos de Mudhoney me avisan que Mark Arm esta entrando en un taxi por otra puerta, salgo corriendo a su encuentro con grabadora y cámara en mano, me lo presentan, lo saludo, me firma un autógrafo y le pido que me conceda una pequeña entrevista, a la cual accede amablemente sin prestarle atención a ese mastodonte antipático que le han puesto como guardia de seguridad.

Mark... háblanos sobre el próximo álbum de la banda (“Under a Billion Suns”)
Bueno, tiene 11 canciones, ha sido grabado y producido por tres ingenieros (Phil Ek, Johnny Sangster, y Tucker Martine) en tres estudios diferentes (Avast, Mushroom y Flora), y estará disponible a inicios de marzo del próximo año.

¿Es verdad que van a lanzar un DVD?

Si, estamos haciendo un DVD.

¿Qué imágenes tendrá?, ¿ algunos conciertos?

Serán dos discos, uno de ellos tendrá imágenes de lo que hacemos en el estudio y nuestros videoclips, y el otro disco tendrá escenas en vivo de nuestras presentaciones a lo largo de estos años.

Te vi por primera vez en unas fotos que aparecen en el libro SCREAMING LIFE de Charles Peterson y pude notar la gran energía que ustedes tenían...

Bueno, éramos mucho más jóvenes entonces (risas)...

¿Qué piensas ahora?, ¿tienen las mismas energías que antes?

Ahora estamos más viejos, así que duele más (risas) ...ahora hacemos lo que podemos (risas).

Ayer los vi actuar y me gustó mucho escuchar el mismo sonido que aún conservan, muy potente y Steve Turner ...

Un gran guitarrista el tipo...

Para mi un buen guitarrista, aunque se que a algunos fans argentinos no les gustó el solo de guitarra que hizo en una parte del show...

Steve Turner hace lo que quiere... Steve es “cool” (risas)...

Bueno…gracias Mark

¡Gracias a ti man!

Me despedí no sin antes tomarle algunas fotos; lo dejé conversando con algunos fans. Al rato uno de ellos me dice: “Mark es un gran tipo, muy sencillo, nunca quiso ser famoso y ha sido consecuente con eso ... ¿sabías que no toma cerveza?, pero mirá, tanta droga consumida en su juventud lo hace aparentar más viejo de lo que aún no es”, nos reímos asentando con la cabeza. Luego, al recordar las diversas imágenes que he visto de Mark, me doy cuenta que es toda una leyenda, un sobreviviente con dignidad de la llamada generación X... ¡larga vida a Mudhoney!, el rock todavía los necesita.

Henry Flores (www.revistademo.tk)

Mark Arm en Buenos Aires (2005)

NEIL YOUNG
PRAIRIE WIND
REPRISE / WEA (2005)

Cuando Neil Young participó en la película The Last Waltz(1978), cuyas imágenes retrataban el concierto de despedida de The Band en 1976, ya era considerado un artista genial e influyente de su generación, de espíritu indomable y combativo, sus trabajos en solitario y con Crazy Horse habían colmado con creces las expectativas de la crítica y el público. Recordemos también que en los 90s fue reconocido como uno de los padrinos del grunge, debido a su enorme influencia sobre algunas bandas de Seattle como Pearl Jam.

Luego de soportar un internamiento para tratar un aneurisma y tras la muerte de su progenitor, Young fiel a su temple de rockero viejo pero fuerte como el roble, se amina a publicar Prairie Wind, un álbum predominantemente acústico con sonidos folk y country que nos hace pensar en una continuación de sus aclamados Harvest (1972) y Haverst Moon (1992). Las canciones reflejan una “calma después de la tormenta”, tranquilidad que al artista de 60 años le ha costado conseguir debido a su propia naturaleza rebelde e inconforme.

Unos acordes acústicos dan inicio a este reposado trabajo, es The Painter, la voz suena acogedora, por partes se escucha una tímida guitarra eléctrica que le da un toque entrañable. No Wonder tiene un sabor a película de vaqueros del lejano oeste, cuya percusión acelerada por momentos, incrementa la fuerza de su interpretación y los pequeños solos son simplemente memorables y añejos, la letra hace alusión al 11 de septiembre y una crítica a la clase política: “Somewhere a senator sits in a leather chair behind a big wooden desk. The caribou we killed mean nothing to him, he took his money just like all the rest” (En algún lugar un senador se sienta en un sillón de cuero detrás de un gran escritorio de madera. El caribú que matamos no significa nada para él, él toma su dinero como todo el resto).

La honra a la memoria de su padre se refleja en Falling Off The Face Of The Earth, Far From Home y Prairie Wind. Por el lado romántico tenemos a Here For You, un acompañamiento de pedal steel guitar y armónica le dan un matiz melancólico. También hay un homenaje en plan country a Elvis Presley en He Was The King, la crítica a la sociedad en que vivimos la tenemos en It’s A Dream. Su lado más introspectivo esta en This Old Guitar, una especie de oda a su guitarra, y en la predicadora When God Made Me, cuyos coros gospel y versos nos invitan a la reflexión: “When God made me, was he planning only for believers or for those who just have faith” (Cuando Dios me hizo, ¿lo estaba planeando sólo para los creyentes o para aquellos que tienen fe?).

Todas las canciones son un mundo aparte, dejando en evidencia que Neil aun tiene mucho por decir y que el talento sigue en él, la calidez de estos temas son como para pasar un invierno sin preocupaciones.

Henry Flores

*publicado en la revista DEMO (http://www.revistademo.tk)

APETITO POR EL BUEN ROCK

GUNS N’ ROSES

Appetite For Destruction

Geffen (1987)

Imaginemos o recordemos esta escena: varios tipos con pinta de afeminados, con maquillaje barato en sus rostros, polos y pantalones pegados que a la fuerza trataban de resaltar sus miembros fálicos, todos morían por ser cool, ricos, famosos y levantarse a las chicas que podían conseguir a través del rock n’ roll; pero la música en sí, había quedado en segundo plano, sólo imperaba la pose, la actitud copiada y las imágenes andróginas con ritmos y líricas complacientes, en otras palabras, el rock , se encontraba en estado comatoso, aburrido y sin ningún atisbo de seducción. Afortunadamente, todo esto se fue al diablo, cuando casi a finales de los 80’s, 1987 para ser más exacto, una banda californiana integrada por cinco sediciosos- Axl Rose (voz), Slash (guitarra), Izzy Stradlin’ (guitarra), Duff McKagan (bajo) y Steve Adler (batería)-, típicas muestras del white trash norteamericano, con una actitud nihilista elevada a la enésima potencia y un rock pesado de raíces bluseras, inocularon al mundo entero su ópera prima, un disco de esos que los padres jamás quisieran que sus hijos lo escuchen, un disco lleno de canciones frescas y lenguaje fuerte, cien por ciento rock and roll, un disco que sirvió de bisagra a dos generaciones: la de finales de los 80’s con los nonatos de los 90’s, un disco llamado provocativamente Appetite For Destruction. Estos tipos se hacían llamar Guns N’ Roses, muchachos indomables al extremo, que más que rosas, eran puras pistolas y de grueso calibre.

Cuesta creer a simple vista, que un álbum tan exitoso, haya tardado cerca de un año en llegar a ser el número uno, pero si analizamos a profundidad, esto se debe a la censura inicial de la época, ya que cuando salieron las primeras 30 000 copias, las tiendas se negaron a venderlas, porque la portada -obra de Robert Williams- mostraba la consumación de un estupro a una joven ciega vendedora de juguetes por parte de un robot, el cual iba a ser devorado por un monstruo hambriento de múltiples patas; dichos discos fueron devueltos y puestos de nuevo a la venta con la famosa imagen de la cruz, que incluía las caras de los integrantes en forma de calavera. Si la portada inicial ya generaba polémica y malestar, pues la mayoría de las canciones tampoco se quedaban atrás, llenas de violencia, sexo, misoginia, apología a las drogas y demás excesos, causaron que los medios más populares de aquel tiempo, se negaran a promocionarlas por su contenido explícito, por lo que, la casa discográfica tuvo que lanzar la canción más inofensiva, Sweet Child O’ Mine, para que recién la MTV pasara un video de ellos, y eso fue lo que desató la invasión gunner.

Pasemos a lo que más importa, o sea, las canciones. En Welcome To The Jungle: un riff con eco, solitario y poderoso, nos da la bienvenida, se escucha un “Oh my God!” (“¡Oh Dios mío!”), a manera de sorpresa y pánico por lo que se viene, luego un Axl en su estado más primitivo, comienza a desgarrarse, emitiendo un grito salvaje y prolongado sobre unas guitarras que hierven al compás de una base rítmica llena de cadencias. Este track tiene dos significados: con respecto a la canción misma, trata sobre un muchacho pueblerino-alter ego de algunos miembros de la banda- que llega a vivir a una gran ciudad, en este caso Los Angeles, en donde va a aprender y probar de todo, con una advertencia que invita a dejar atrás la inocencia y candidez en el modus vivendi, porque eso sería el fracaso: “you know where you are?, you’re in the jungle baby, you’re gonna die!” (¿sabes dónde estas?, estás en la jungla nene, ¡vas a morir!”); con respecto al álbum, es una invitación al mundo de los Guns -“Welcome to the jungle, we got fun n’ games, we got everything you want...we are the people that can find whatever you may need” (“Bienvenido a la jungla, tenemos diversión y juegos, tenemos lo que quieres...somos las personas que pueden conseguir todo lo que puedas necesitar”)-, un inicio a la rebeldía y a la locura desatada, a las letras y actitudes decadentes, representantes de una generación que ya estaba envejeciendo y que recupera su vitalidad con estos tipos, lo suficiente como para trasmitir el gen a los que serían los nuevos jóvenes. Curiosamente fue escrita en Seattle, ciudad de la cual, en los 90’s, saldrían las nuevas bandas del recambio generacional.

Las machistas y misóginas It’s So Easy, You’re Crazy y Anything Goes, muestran la buena asimilación de sus influencias musicales, la primera tiene un intro de bajo de marca punk y cantado a diferentes voces, la segunda es acelerada y heavy con acordes de blues, y en la última, el empleo magistral del efecto Talk Box, no hace mas que confirmar que el rock en estos tipos, aseguró su vigencia por muchos años. En cuanto a licores, drogas y delincuencia, tenemos a Nightrain -dedicado al vino barato del mismo nombre, que solían beber como si fuera agua-, Mr. Brownstone -un cándido tributo a la heroína, droga en polvo de color marrón, del cual todos eran adictos- y Out Ta Get Me - sobre policías que no te dejan en paz, debido a antecedentes nada decorosos-, todas plagadas de cuerdas incendiarias.

Paradise City, con su conocidísimo arpegio, da inicio a unos entonados coros que piden un regreso al medio oeste rural – “donde las chicas son lindas y el pasto es verde-“ luego de haberse hartados de vivir en la jungla de concreto, unos minutos después las revoluciones se multiplican, creando un ambiente de bacanal musical. My Michelle, está inspirada en una amiga del grupo, con una vida llena de maltratos, desamor, de problemas familiares, en donde la única herencia que le han dejado sus padres es la adicción a las drogas. Think About You y Sweet Child O’ Mine, son las únicas con letras “positivas” sobre el amor, esta última que fue número uno a nivel mundial, tiene uno de los riffs de guitarra más conocidos y aclamados e imitados de la historia, Slash crea sobre notas repetitivas, una especie de elipse musical combinando simpleza y destreza, que da como resultado una tonada adictiva y agradable. Y por el lado sexual, que mejor muestra que Rocket Queen, que contiene grabaciones de voces y gemidos de un coito real, que fueron seleccionados de un puñado de “audiciones”.

A partir de este álbum, la carrera de los Guns N’ Roses fue cuesta arriba, llegando a ser los más populares y exitosos a nivel mundial por más de un lustro. El Appetite, significó un regreso y resurgimiento del rock en su estado más puro y rebelde, con una banda que hizo de él, un estilo de vida tan comprometido, que los llevó a ser una de las representaciones mismas de su quintaesencia. Es un manual sobre cómo hacer buenos riffs y solos de guitarras memorables e increíblemente pegadizos, con líneas de bajo generadoras de suites, con una percusión precisa y salvaje como los sonidos tribales, y una voz corrosiva llena de matices y tan expresiva, que al emitir gritos, ya está diciendo mucho. Aún hoy, estas canciones siguen sonando actuales y potentes, demostrando una vez más que la guitarra es el corazón del rock n’ roll y que los que optan por dejarla de lado, sólo pueden hacer un remedo de ello, así sea bien hecho, pero un remedo al fin.

Guns N' Roses: Duff McKagan, Slash, Axl Rose, Steve Adler e Izzy Stradlin

Laureles:
A la fecha, se han vendido más de 25 millones de copias en todo el mundo, lo que lo convierte en el álbum debut más exitoso de la historia del rock.

Los riffs de Sweet Child O’ Mine y Paradise City, están en el puesto 1 y 19 respectivamente, de la lista de los mejores de la historia del rock, según una encuesta de la revista Guitarra Total realizada en el 2003.

En el 2001, la revista Spin ubicó al Appetite en el número 1 de la lista de los álbumes más grandes del heavy metal y la Q Magazine, como uno de los 50 álbumes más heavy de todos los tiempos. Y en el 2003, la VH1 lo ubicó en el puesto 42 de su lista de los más grandes de toda la historia y la revista Rolling Stone, en el puesto 61 de un total de 500 producciones.

* Appetite For Destruction salió a la venta el 21 de Julio de 1987, bajo el sello Geffen.

Henry Flores

(publicado previa edición en la revista DEMO: www.revistademo.tk)

PAUL McCARTNEY
CHAOS AND CREATION IN THE BACKYARD
CAPITOL RECORDS (2005)

Con más de 40 años de vida artística, y con todos los logros y éxitos obtenidos, a estas alturas, haga lo que haga Sir Macca, lo puede hacer sabiendo que no tiene nada que perder ni nada que lisonjear, pero como ya es costumbre en él, siempre se las ingenia para sorprendernos dentro de su convencionalismo, mostrarse vigente y con muchas ideas creativas.

Chaos And Creation es el primero en estudio desde el Driving Rain (2001), en el cual toca la mayoría de los instrumentos de cuerda, vientos, teclados y percusión; de los trece temas, cuatro de ellos son ejecutados totalmente por él, tan igual como lo hiciera en McCartney I - su debut como solista- y en el McCartney II. Además, hay un elemento fundamental: la presencia de Nigel Godrich como productor –quien ha trabajado con Radiohead, Travis y Beck-, cuya producción no sobrecargada, ha logrado sonidos lozanos y agradables sin llegar a ser melifluos.

En Fine Line, tanto el piano como la batería crean un ambiente rock-pop festivo para una voz que suena joven a pesar de sus 63 años, de una de las estrofas sale una parte del título del disco: “There is a long way between chaos and creation If you don’t say wich one of these you’re gonna choose…”(hay un largo camino entre el caos y la creación si no dices cual de estos vas a escoger…). En How Kind Of You, el tópico, es la desesperanza total que logra superarse cuando uno encuentra a alguien con quien contar de verdad, unos loops de piano y guitarra completan el ambiente melancólico. La acústica Jenny Wren, es considerada “la hija” de Black Bird con algunas pinceladas de Mother Nature’s Son, estás dos últimas del White Album de los Beatles, los acordes son enriquecidos enormemente por el sonido clave de un duduk (una especie de clarinete), que le da otro matiz al estilo McCartniano del tema.

At The Mercy, Too Much Rain, Follow Me y This Never Happened Before son los surcos más convencionales, pero acaudalados con arreglos de cuerdas que les dan toques novedosos, destacando la última en mención, por el sentimiento con que es cantado, el piano preciso y una letra simple pero muy del corazón, que hacen de ella una de sus mejores baladas de los últimos 15 años, “I’m very sure, this never happened to me before, I met you and now I’m sure this never happened before. Now I see this is the way it’s supposed to be, I met you and now I see this is the way it should be” (Estoy muy seguro, esto nunca antes me había pasado, te encontré y ahora estoy seguro que esto nunca antes sucedió. Ahora veo que esta es la manera en que tenía que darse, te encontré y ahora veo que esta es la manera en que sería).

Friends To Go, fue compuesta según su autor, con una ayudadita de la “energía” de George Harrison, las principales notas son tocadas con una acústica, pero también se puede apreciar un rasgueo cortado de guitarra eléctrica -que le da más sustaine- y por momentos una segunda voz muy oportuna. Lo más rockero, lo encontramos en Promise To Your Girl, cuyo solo guitarresco reemplaza muy bien al cantante, de esta lírica sale la otra parte del título del disco: “Looking through the backyard of my life, time to sweep the fallen leaves away”(Mirando a través del patio trasero de mi vida, tiempo para barrer las hojas que caen).

Pasemos a las canciones más destacadas, en English Tea, el inicio con violín seguido de un séquito de cuerdas con una flauta al medio, acompañan de manera premeditada el homenaje con tonos sarcásticos que Macca hace de algunas tradiciones inglesas. A Certain Softness sobresale por sus arreglos, amén de una mezcla de bossa nova y bolero. Riding To Vanity Fair, que trata del fin de una amistad, es el más sombrío, con unos sonidos de vasos de cristal que nos van transportando con la mente a diversos lugares que se van creando con el ambiente de la canción. En el último track, Anyway, él termina hablando de su “nuevo concepto” del amor: “If our love is strong enough, it may never end” (Si nuestro amor es bastante fuerte , es posible que nunca termine), luego de algunos segundos de silencio, asoma un hidden track instrumental de 3 minutos que muestra su lado menos convencional, con una perfecta suite, compuesta de melodías disímiles entre si, empalmadas magistralmente por la dupla McCartney-Godrich .

Para los coleccionistas, la edición especial viene con un DVD que contiene un documental sobre cómo se hizo el álbum -donde se menciona que Godrich fue recomendado por George Martín y que en ocasiones tuvo que ser el crítico más implacable de Sir Paul, cuando éste último no lograba, por momentos, darle a sus canciones la trascendencia de su figura-, un video de la performance en estudio del single hit Fine Line y unas imágenes con movimiento de cámara que muestran los trazos y dibujos que se han incluido en el pequeño libro del disco.

Aquí tenemos un álbum que apuesta a ganador y que sale vencedor, gracias a la simbiosis Macca-Godrich, se nota la mano del joven productor, que ha revitalizado las canciones, haciéndolas frescas y atractivas, con muestras de mucha juventud amalgamadas con el genio creativo y virtuoso del ex beatle, quien ha demostrado tener cuerda para rato, aún cuando lo escuchemos cantar “When I’m Sixty Four”.

Henry Flores

*Publicado previa edición en la revista DEMO (Noviembre 2005)

CAFÉ TACUBA
UN VIAJE
UNIVERSAL (2005)

En octubre del año pasado, en el Palacio de los Deportes del México Federal, los Tacuba celebraron sus quince años ante más de 18 000 almas con un concierto “¡a todo dar mano!”. Pues la fiesta todavía continua y por todo lo alto, ya que en lo que va del año han sacado a la luz dos discos en vivo, uno de ellos es su aclamado unplugged para la MTV– grabado hace una década-, y el otro, es el registro del evento del que hablábamos al principio, llamado simplemente Un Viaje.

Resumir tres lustros de historia musical en sólo 2 noches, no es tarea fácil para cualquier banda, sobre todo, si como en el caso de los Cafetas, las composiciones abarcan un amplio espectro de estilos musicales, que van desde el rock, pasando por los coqueteos con la electrónica, el bolero, el mambo, la cumbia, la ranchera y un largo etcétera, hasta llegar al corrido mexicano; pero en esas noches, salen airosos en darles gusto a todos los presentes, desde el fan más nuevo-que se habrá enganchado a ellos con la balada Eres- hasta el admirador que guarda como un tesoro el disco Re.

Este recorrido, ha quedado plasmado en dos discos, con 29 canciones llenas de energía, virtuosismo y emoción, entre las que podemos mencionar sus éxitos propios como María, Rarotonga, Chica Banda, el Puñal y el Corazón, La Ingrata, Las Flores, Esa Noche, Chilanga Banda, Eo, Cero y Uno, Eres; también sus exitosas versiones de Como te Extraño de Leo Dan, Ojalá que Llueva Café de Juan Luis Guerra, Déjate Caer de Los Tres y No Controles de Los Flans; y sus bien recibidos instrumentales como La 2, La 6,Revés y otros temas más, que han hecho que este grupo, sea admirado mundialmente y sea considerado como uno de los más creativos de este lado del hemisferio.

En la edición especial, hay un tercer CD con 7 canciones que quedaron fuera de los primeros, ya sea por razones de espacio o por algunas fallas técnicas durante su grabación, destacando El Borrego, El Baile y el Salón y Amor Violento. Y como para redondear el asunto, se ha incluido un DVD con 23 temas y extras, donde podemos apreciar todo lo que Joselo y Quique Rangel, Emanuel del Real y Rubén Albarrán (ex Cosme y ahora Sizu Yantra) son capaces de hacer y dar en el escenario –la parte donde se ve que cantan en medio del coliseo y del público, es de antología-, con la participación de amigos como La Lupita, El Tri, Santa Sabina, Jaime López y Alejandro Flores. Una mención especial merece el público asistente, que demostró su amor, admiración y fanatismo, con palmas, gritos , vítores y cantando a todo pulmón, llegando en muchos momentos a emocionar a los mismos Cafetas, para muestra basta un botón: escuchen y/o vean María, que da inicio al concierto.

Una gran celebración para un gran conjunto, con gran público, con grandes canciones y grandes momentos, le creemos a Albarrán cuando dice: “...afortunadamente después de quince años, podemos seguir diciendo que llegó el Café Tacuba ¡pa’ que todo el mundo le meta tacones!....”, pues que sean muchos años más.

Henry Flores R.

*Publicado previa edición en la revista DEMO (Noviembre 2005)

ERIC CLAPTON
BACK HOME
WARNER BROS/WEA (2005)

Lo primero que se me viene a la mente cuando escucho el nombre de Clapton, es la imagen de un virtuoso guitarrista de blues y rock -su etapa en Cream hizo de él toda una leyenda-, luego la de un cantante de blues, imagen reforzada magistralmente en sus sentidos homenajes a Robert Johnson y en tercer lugar y a varios metros de distancia, la imagen de un cantautor de temas pop. Si alguien coincide conmigo, entonces debo advertirle, que si en este álbum esperan encontrar al guitar hero o alguna muestra de virtuosismo con las seis cuerdas, pues olvídenlo, ¡ah! otra cosa más, este disco tampoco rockea.

Back Home es el primero con material inédito en cuatro años desde el Reptile (2001) a pesar de no ser cien por ciento de Clapton, ya que de los doce temas, solo uno lo ha compuesto enteramente él, cinco de ellos tienen como coautor a Simon Climie (su coproductor y colaborador en muchas producciones) y los otros son covers de amigos como Harrison, Wonder y Gill, cuyas composiciones han sido “respetadas” en exceso, sin ninguna actitud iconoclasta. Un punto a destacar, aparte de la banda que lo acompaña, es la colaboración de talentos como Billy Preston, Vincent Gill, Stephen Marley y John Mayer, que logran crear un fondo musical muy bien elaborado pero a la vez muy natural en su ejecución, amén del virtuosismo y la capacidad de improvisación de estos músicos.

Algunas de las canciones están inspiradas en la actual vida familiar del guitarrista, en So Tired es un padre amoroso y esforzado, “...the baby’s only feeding and one of them is teething...thanks God, their mama is a natural, she knows exactly what to do and as for me I think I’d go insane, I just wouldn’t have a clue” (el bebé solo come y una de ellas esta en dentición...gracias Dios, su mamá es una innata, ella sabe exactamente que hacer y en cuanto a mi creo que me volvería loco, apenas tendría una pista), el tema, con solo de guitarra incluido, es complaciente, y divierte cuando se escucha unos llantos de bebé en los coros finales. En Say What You Will, con base rítmica en plan reggae, es un marido enamorado y profundamente agradecido con la madre de sus hijas, “You know I needed a friend I could tell my troubles to, and you have been my friend, so I will my love to you”(sabes que necesitaba un amigo a quien contarle mis problemas, y tu has sido mi amiga, por eso te daré mi amor).

Revolution, el primer single, es un apetitoso reggae shuffle, deliciosamente sazonado con la percusión de Stephen Marley (ex Melody Makers) cuya lírica se puede encontrar fácilmente en cualquier libro de autoayuda. Lo mejor del disco, lo encontramos en Lost And Found, un blues rock coescrito con Bramhall II y Jeremy Stacey, si bien la guitarra solista sigue siendo algo tímida, el sentimiento con el que Clapton la canta, lo hace estar por encima de las demás.

De los covers destacan notablemente: Love Comes To Everyone, una hermosa canción pop que muestra el lado filantrópico de George Harrison y I’m Going Left de Steve Wonder, cuyos coros por momentos coquetean con el gospel.

En su página web, Clapton dice que este álbum completa aquel ciclo iniciado en Journeyman (1989), en términos de hablar acerca de su vida como músico itinerante, en donde ahora se ha encontrado consigo mismo, empezando una nueva familia. Es por eso la elección de este titulo para el disco, que da a entender un regreso a casa y un quedarse en casa, aunque sabe muy bien que el próximo año estará de nuevo en la “carretera” tocando esta música. Así que de una vez por todas aceptemos la realidad, el tipo ya tiene 60 años, es feliz con sus pequeñas hijas, ha preferido guardar por un tiempo la guitarra para dedicarse a jugar con muñecas, pero también aceptemos que es uno de los pocos artistas que puede darse el lujo de hacer álbumes como este sin perder un ápice de credibilidad y creatividad; ojalá que no pase mucho tiempo para verlo empuñar de nuevo la Strato y que la haga sonar como sólo los dioses saben hacerlo.

Henry Flores R.

*Publicado previa edición en la revista DEMO (Noviembre 2005)

¡¡¡QUE BUEN INICIO DE PRIMAVERA !!!!

Sabemos, que en el mes pasado se inició la primavera, si ya lo sé, casi nadie en Lima se dió cuenta de eso, debido al clima frío aún imperante, pero vaya que para mi ha estado muy pero muy caliente, gracias a los discos que se han publicado en este setiembre glorioso. Sino me creen, pues miren esta lista:

• Bob Dylan / No Direction Home : 30 agosto
• Eric Clapton / Back Home : 30 agosto
• The Rolling Stones / A Bigger Bang : 6 setiembre
• Paul McCartney / Chaos and Creation in the Backyard : 13 setiembre
• B.B. King / 80 : 13 setiembre
• Buddy Guy / Bring 'Em In : 27 setiembre
• Niel Young / Prairie Wind : 27 setiembre
• The Band / A Musical History : 27 setiembre

Increíble no?, un retorno a lo grande de estos "dinosaurios", la mayoría con material inédito. Muy pronto publicaré las críticas y/o comentarios respectivos de cada disco...paciencia!!!! y hasta la próxima.

Henry Flores R.

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INYECTORES en la Noche de Barranco
(jueves 15 de Setiembre del 2005)

10 pm – 10:35 pm: Cuando llegué al lugar (10 pm) vi a muchos chicos esperando afuera, otros haciendo cola, una parte de la comuna estaba por ahí cerca, “preparándose” con una botellita de Punto G, se corría la voz de que iban a pedir DNI para ingresar, varios estaban preocupados, yo también porque mis documentos estaban en casa, falsa alarma. El ingreso con su correspondiente compra de entrada se hizo de manera ordenada, se exhibían los polos y discos de la banda (dicho sea de paso, me compré 2 polos, bravazos!!!). Una vez dentro, la gente hacia la espera con conversaciones y algunos traguitos, otros como yo se dedicaban a observar el lugar en busca de algún miembro de los INYECTORES, los pude ubicar por otra puerta, les dije que había escrito el primer comentario sobre su ultimo disco(publicado en la revista DEMO), se alegraron, me felicitaron, me autografiaron la revista, un disco y me tomé la foto de rigor, buena gente estos tipos, son muy carismáticos, sólo les pude entregar un ejemplar de la revista, Gabriel al toque se la guardó jajaja.

10: 40 pm – 11:25 pm: De regreso al lugar donde se va a realizar el concierto, subí al segundo nivel para tener una vista panorámica, la comuna estaba colocando su banderola, una muestra palpable del amor por la banda, pude contar aproximadamente 100 personas que luego se incrementaría a más de 150. A las 10:45 pm suben al escenario como teloneros la banda LIQUIDA, un “power trio” cuyo sonido le debe bastante al Grunge con retazos de Hard Core y coqueteos con el New Metal, tocaron 8 temas, destacando la canción El Miedo por su sonido y las “súplicas” cantadas del bajista en ciertas partes del tema, a pesar de que sus distorsiones suenan bien potentes(en parte debido a las pastillas dobles que tiene la Gibson Les Paul del cantante) y el baterista es muy bueno y se nota que domina su instrumento (logra llenar todo el espectro sonoro que puede abarcar un trío), en esta presentación se han podido notar dos puntos débiles: el primero es la falta de un buen vocalista, la voz principal no suena convincente, no logra empalmar con las cadencias de los temas y suena desafinado en muchos casos; la segunda debilidad son las notas repetitivas de sus “power chords” en la mayoría de las canciones (a cada rato se tocan los Mi y los SOL con un mismo estilo), desde de mi humilde punto de vista les sugiero que prueben con sonidos diferente de distorsiones de guitarra (un ejemplo claro son los Stone Temple Pilots o los Range Against The Machine), así cada acorde sonará “novedoso”. A las 11:20 pm terminaron su show, previo agradecimiento a los INYECTORES por haberlos “invitado” a tocar.

11: 26pm – 12:50 am: La espera por verlos se hacía más inquietante, el público estaba con una expectativa elevada a la enésima potencia, hasta que por fin a las 11:35 pm aparecieron en el escenario, tras una breve prueba de sonido y un saludo al entrañable amigo Guillermo Figueroa(ex baterista de G3), iniciaron su potente show con el mismo tema que arranca su primer disco, Bombardero, obviamente se inició el pogo, el show duró 1 hora y cuarto, donde tocaron 16 temas de sus 2 primeros discos( Bombardero y Rompecaminos), 4 temas de G3 (Piloto 43, Violencia Fabricada, Presión y Antisocial) y 1 tema de Autopsia (Mayoría Equivocada). Hay un tema que hizo falta, 7 vidas, tiene una letra de la “puta madre”, por favor considérenla para la próxima presentación. El publico se portó muy bien (destacando una “rubiecita” de polo verde militar que hizo un show aparte con sus cadencias gestuales propias), estuvo a la altura de la performance de la banda, cantando, pogueando, animando, aplaudiendo y gritando. A las 12:50 am terminó todo, la gente contenta, sudada, extasiada y bien servida; por mi parte estuve tratando de ubicar a toda persona que hubiera tomado las fotos del evento para que me los pasen por email y asi acompañar esta crónica pues. Ricky ya no tenía ningún pick para regalar, así que no quedaba otra que salir del lugar, tomé mi taxi hasta Pueblo Libre, contento y sin voz(de tanto haber cantado) me retiré a casa porque al día siguiente había que estar en la chamba....amigos INYECTORES, gracias de nuevo por esos acordes llenos de potencia y melodía y letras que en verdad “dicen algo”!!!
Henry Flores R.

Lista de temas:

1. Bombardero: inicio del concierto, inicio del pogo e inicio de una buena noche.
2. El Valle de Rafael: dedicado al mono Rojo, ¿alguien tiene idea de quién es?.
3. Salvación: pogo mixto, el baterista estuvo bien contundente.
4. La Mente es un Lugar: mi mente solo estaba en la Noche de Barranco.
5. Un Mundo Nuevo: esta vez sólo hubo pogo masculino, demasiado golpe pues!! jaja
6. Tristeza: “esta es una canción alegre” (Gonzalo).
7. Piloto 43: primer cover de G3, dedicado a Pipe y Guillermo.
8. Amistad: dedicado a la comuna de Inyectores.
9. Camino al Sol: “esta tema está dedicado a la muerte” (Gonzalo)
10. Orbital: “dedicado a las personas que dependen de algo o alguien”(Ricky). Para mi es una canción de despecho.
11. Un Futuro: todos lo cantan pero sin poguear, buenos solos de guitarra.
12. Mayoría Equivocada: cover del grupo Autopsia, “...amerita que os calléis basura jajaja..”(Gonzalo).
13. Violencia Fabricada: de G3, “pa los que chupan y se esconden tras la botella”(Gabriel) , “como tú jajaja” (Ricky y Gonzalo).
14. En un Rincón: comenzó con un riff que se interrumpió a manera de broma.
15. Parásito: comienzo rápido e intempestivo, pogo desencadenado.
16. Presión: de G3, una de las primeras composiciones que se hizo con Guillermo, esta vez el pogo le correspondió a los fans más nostálgicos.
17. Marco: “dedicado a los que se les perdió la mamá” (Gonzalo).
18. Soñador: ¿qué canción quieren?.....no sean eyaculadores precoces jaja...”(Ricky).
19. Poder Volar: con está comienzan a anunciar que ya se retiran.
20. Antisocial: de G3, pogo apoteósico, semi destructivo, todo vale!!!!.
21. Última Parada: la última de la noche, pogo festivo al compás de letras positivas.
    
    
    

INYECTORES

DESENCHUFADO
Mundano Records (2005)

Han pasado ya más de 5 años, desde que Farfán(guitarra, voz) y Bellido(bajo, coros) dieran por terminada una etapa memorable con G3, para luego formar Inyectores junto a Noriega (guitarra, coros). Durante este tiempo han sacado 2 producciones llenas de “rock punk melódico” -Bombardero (2001) y Rompecaminos (2003)- que le han dado a la banda el reconocimiento del público. Mientras componen y graban su tercera placa en estudio, nos entregan un disco en vivo, y no es como podría suponerse, una presentación llena de acordes distorsionados al compás de una batería desenfrenada y de los fans más enardecidos en las faenas del “pogo”, sino todo lo contrario, el Desenchufado, es un álbum enriquecido de guitarras acústicas, juegos de voces y con invitados que nos dan más de una sorpresa.

El comienzo, un tímido sonido de guitarra, son los acordes iniciales de En un Rincón, no hay coros en ella, Farfán la interpreta de manera impecable y el público la recibe muy bien, buen inicio para este unplugged. Salvación y La Mente es un lugar son canciones acompañadas con segunda voz, en la primera el solo de guitarra es generoso y la otra ha sido transformada a una balada, lo que le da un tono más reflexivo a su mensaje. Un sonido de platillo nos lleva a Mi Otro Yo, primer cover de esta sesión, un tema del entrañable G3, extraído de su álbum de despedida En Casa (1999), para los fans más acérrimos debe ser difícil escucharla sin sentir cierta nostalgia por el pasado, sobre todo en los coros que suplican por “el aire que nos niega el mundo real”.

Poder Volar, canción que suele ser una de las más “pogueadas” y potente, tanto en estudio como en vivo, en esta versión, ha quedado desnudada y despojada de la vehemencia original, pero de tal forma que lo que escuchamos sigue siendo convincente y agradable, incluso el público se anima a “cantar” una pequeña parte de la letra. En Camino al Sol, se muestra un buen trabajo en el juego de voces. El primer invitado se hace presente en Un Futuro, Cynthia Moreno-excantante de Vox- demuestra su talento con una soberbia interpretación, en el estribillo su voz hace una especie de “simbiosis sensual” con la de Farfán, aunque el arreglo de cuerdas no sea del todo convincente, estos pasan a un segundo plano frente al desempeño de los cantantes.

Soñador, es uno de los temas más populares que tiene la banda, tiene una letra de esas que te hacen tomar decisiones sobre tu vida, es una de las “joyas” de sus primer disco, por eso es tan grande la decepción que uno siente al escucharla en esta sesión, los motivos sobran: las voces no logran acoplarse del todo, suenan muy disonantes, además se notan que están en un tono más bajo con respecto a la afinación de los instrumentos, en cuanto a la voz solista, por momentos no logra mantener la nota inicial, sobre todo en los finales de algunas frases, quizá si se hubiera cantado en tonos más altos, otro sería el resultado. Una de las sorpresas agradables del disco la tenemos en Rompeolas - original de la banda española Loquillo y Trogloditas -del LP Morir en Primavera (1985)-, en la voz principal, otro invitado de lujo, Manolo Barrios, líder de Mar de Copas, aquí él se adueña de la canción, la hace suya a tal punto que los Inyectores en ese momento pasan a ser su banda de acompañamiento, el ambiente se llena de “romanticismo” debido a la “nostalgia” y la “inocencia” de la letra.

En un Mundo Nuevo, el juego de voces suena muy agradable, es el track que mejores arreglos de guitarra tiene. El último invitado, Pipe Villarán -ex G3 y actual líder de los Fuckin Sombreros- se hace presente con la segunda voz y guitarra en Viviré, una de las emblemáticas de G3, del álbum Psicotropia (1995), esta versión destaca por una buena vocalización a dos voces -que permite que la letra sea entendida y disfrutada en su totalidad- y su base rítmica, otra invitación a la nostalgia. El final del disco llega con la última, si, La Última Parada, la melodía más festiva, Farfán nos canta con líricas llenas de optimismo: “llegó el momento de tu vida para buscar la salida....solo debes seguir, pensando en que no te volverás a equivocar”, demostrando que el rock también sabe dar buenas lecciones de vida.

Grabado en Mayo del 2004 en el Centro Cultural La Noche de Barranco, lanzado en agosto de este año y producido enteramente por la banda, este disco “desenchufado” ofrece doce temas cargados de melodías, que destacan por sus arreglos sin necesidad de recurrir a violines, cellos, pianos y demás elementos que utilizan otras bandas para “llenar” sus canciones en este tipo de actuaciones. Además logran, en muchos momentos con resultados notables, mantener la “fuerza” de las versiones originales. Entonces, con optimismo, quedamos a la espera del inminente nuevo disco en estudio.

Henry Flores R.

*Publicado previa edición en la revista DEMO (Agosto 2005)

GARBAGE
BLEED LIKE ME

Geffen Records (2005)

Luego de 4 años del más absoluto silencio musical, donde lo único que se escuchaba de esta banda eran los rumores de una separación y de los problemas de salud de la cantante, Manson (voz), Vig (batería), Marker (guitarra) y Erikson (teclados), deciden volver a la escena rockera con un potente disco, el esperado Bleed Like Me, en donde la guitarra es la protagonista.

El primer track, Bad Boyfriend, nos advierte que los Garbage han regresado para rockear, incluso más que antes. Unos acordes distorsionados dan la bienvenida a la voz de Manson, que comienza a acariciarnos suavemente para luego verse interrumpida por distorsiones a alto volumen, que decaen nuevamente para acompañarla en sus exigencias y pretensiones a un hombre, que luego terminan convirtiéndose en súplicas por un amor fingido: “If you can’t love me honey, go on!, just prentend” [Si no puedes amarme cariño, sigue!, sólo simula]. El sonido de batería es cortesía de Dave Grohl (ex Nirvana y actual líder de Foo Fighters), quien vuelve a trabajar con Vig luego de muchos años, cuando este último le produjo el multiplatino Nevermind.

En Run Baby Run, la canción mas pop del disco, la batería y los acordes simples fabrican una dulce melodía cargada de furia guitarrera en los coros. El uso de loops se hace evidente en Right Between The Eyes, donde una incisiva guitarra le imprime un toque festivo a la canción, que se contrapone a los versos desesperanzadores que nos hablan de la crueldad que hay en este mundo.

El primer single del disco es Why Do You Love Me, en cuyos coros se puede percibir toda una supercapa de sonidos distorsionados, dejando en evidencia la influencia del mítico Phil Spector sobre Vig como productor, influencia por cierto reconocida en muchas de las entrevistas que ha dado la banda. Faltando poco mas de un minuto para el final, unos momentos de quietud nos sorprenden, son momentos de impotencia, en la que una Manson resignada muestra sus inseguridades en el amor: “I think you’re sleeping with a friend of mine, I have no proof but I think that I’m right” [ Pienso que te estás acostando con una amiga mía, no tengo prueba alguna pero creo que estoy en lo cierto].

En Bleed Like Me, un sonido lento e inquietante de guitarra con un cello de fondo, son propicios para cobijar a la melodiosa voz que no grita ni se desgarra, sino todo lo contrario, a manera de susurro nos cuenta historias de gente desconocida que tienen en común el sufrimiento y la frustración, el muchacho que quiere ser mujer, la chica con insuperables sentimientos de culpa, el alcohólico que quiere sobrevivir, todos ellos son confrontados con el sufrimiento de la cantante que al final se “desangra” con unos versos que invitan a ver sus “cicatrices”.

Los sonidos electrónicos se hacen presentes en canciones como Heart y Boys Wanna Fight, no hay renuncias a las guitarras distorsionadas aunque se percibe un mayor uso de supercapas de sonido. Sex Is Not The Enemy y Why Don’t You Come Over son las canciones más festivas del disco, melodías simples que uno quiere escuchar una y otra vez, no porque sean trascendentes sino porque divierten. It’s All Over But The Crying y Happy Home, son las prescindibles del disco, la ausencia de guitarras en la primera y la larga duración con final en plan fade out de la otra, impiden que este retorno sea del todo contundente y que nos deje con ganas de más canciones nuevas.

Garbage, a pesar de tener solo 4 producciones en toda una década, demuestra que conoce muy bien su oficio, el de ser una banda que compone y produce buenas canciones de hard pop, con letras que difícilmente pasan desapercibidas debido a la fuerza interpretativa de su cantante. En la mayoría de las canciones del Bleed Like Me, encontramos la misma fórmula: guitarras distorsionadas, más una base rítmica acompañada con loops y una sensual voz femenina que por ratos tiene sabor a víctima y en otros, nos recuerda a la más feroz de las putas o rompecorazones, pues es difícil para Manson ser considerada una chica normal, siempre está entre dos extremos, y eso lo saben y lo aprovechan muy bien sus tres compañeros productores.

Henry Flores R.

*Publicado previa edición en la revista DEMO (Agosto 2005)