Kings Of Leon

(segunda parte)

INICIO DE LAS BUENAS NUEVAS
Un par de hechos importantes en el 2002 marcarían el inicio de sus ascendentes carreras musicales. Uno relacionado con los directivos de la RCA, quienes les dan su primer contrato discográfico. No está del todo claro los antecedentes ni las condiciones del acuerdo, pero la multinacional acertó. El segundo acontecimiento es el más trascendente, su encuentro con el experimentado Angelo Petraglia -productor y compositor de artistas sureños como Martina McBride y Trisha Yierwood-, quién a partir de ese momento se convierte en una especie de mentor o gurú para la banda, y pieza clave en el sonido a desarrollar. Angelo se dio cuenta de inmediato del talento de estos chicos y de sus apetitos voraces por descubrir cosas. Fue el responsable de añadir al country folk de los Followill, sonidos más crudos y potentes como el blues rock, el garage y el punk. Como si mezcláramos a The Band y The Byrds con los Rolling Stones y The Stooges.

Los Kings debutan con el EP Holy Roller Novocaine en febrero de 2003. Son cinco canciones compuestas por Caleb, Nathan y Angelo, que van desde las aceleradas blues rock de Molly’s Chamber hasta los reposados aires folk de Wicked Chair. La crítica inglesa se generó altas expectativas por el inminente primer larga duración, las cuales se vieron materializadas seis meses después con Youth & Young Manhood y su más de medio millón de copias vendidas en pocas semanas en el Reino Unido (se mantuvo en el top 10 durante 3 meses). Consiguen llamar globalmente la atención de la industria musical y de millones de melómanos, muchos gratamente sorprendidos, y algunos con cierta desconfianza ante un posible bluff circunstancial con la oleada de bandas del llamado “nuevo rock” (The White Stripes, The Strokes, etc). De la noche a la mañana, Nathan de 23 años, Caleb de 21, Matthew de 19 y Jared de 16, se convierten en los rock stars más jóvenes del momento.

(...continuará)

KINGS OF LEON
Poder y Revelación Sureña

(primera parte)

Existe un relato que habla de tres hermanos unidos desde la infancia a un padre predicador y a la música cristiana pentecostal del sur de Estados Unidos. Cuando llega el momento de separarse de la familia, deciden formar una banda de country folk junto a su primo. Al poco tiempo conocen al maestro Angelo quien les enseña el evangelio del rock, ocurre el milagro del contrato discográfico, y cual bautismo en el río Jordán, marca el inicio de sus ministerios roqueros. Estos profetas se hacen llamar los Kings Of Leon, en poco más de cuatro años vienen ganando miles de discípulos fieles y la aprobación de la mayoría de “los maestros de la ley” de la crítica musical.

CHILDREN OF LEON
Kings of Leon está formado por los hermanos Caleb (voz, guitarra), Jared (bajo) y Nathan (batería), y su primo Matthew (guitarra); los dos primeros nacieron en Memphis y los otros en Oklahoma City. Son hijos de Leon Followill, un sacrificado ex ministro sureño de la Iglesia Pentecostal Unida.

Por muchos años tuvieron que acompañar a su itinerante padre por todo el sur de los Estados Unidos mientras él predicaba la palabra de Dios de iglesia en iglesia. Se acostumbraron desde pequeños a ser nómadas, a vivir en distintas casas, a dormir en coches, tráileres, hoteles o en posadas ofrecidas por feligreses. Cambiaban de escuela como si fueran pantalones, en ocasiones su madre era su profesora particular. Con excepción de un lustro viviendo en Jackson, Tennessee, la vida de los Followill se deslindaba en dos verbos: empacar y desempacar.

ENTRE EL CAMINO ANCHO Y EL ANGOSTO
Mientras crecían entre frases bíblicas y canciones religiosas, fueron descubriendo su amor por la música. Aprendieron a tocar las cuerdas y las percusiones, luego se dedicaron a animar, ministrar y emocionar musicalmente los cultos que dirigía Leon. Todo un sacrosanto cuadro familiar: padres predicadores, y sus devotos hijos dirigiendo el ministerio de alabanza.

En 1997 su padre se retira de la actividad religiosa. Al año siguiente los hermanos deciden salir juntos del seno familiar y se mudan a Nashville. Caleb y Nathan se dedican a diversos oficios, a tocar música country en rodeos y a ser miembros de algunos coros reconocidos. A mediados de 2000, junto al benjamín Jared y el primo de ellos, Matthew, deciden formar una banda, tomando como referencia el nombre de su progenitor. Eran épocas de descubrimiento del mundo por su propia cuenta, cual esponjas absorbían de todo, en especial las “nuevas” influencias musicales (provenientes del rock clásico y su revival) que iban descubriendo y asimilando, dándole mayor forma y volumen al bagaje ya adquirido en la carretera.

(...continuará)

SILVERCHAIR
Young Modern (2007)

Meses antes de la salida de Young Modern, era un misterio saber que rumbo tomaría la banda y muchas preguntas iban circulando: ¿Daniel Johns ya consiguió liberar todo el estallido oscuro de su sistema con Paul Mac o todavía le queda algo de eso? ¿Volveríamos a escuchar el sonido grunge del Frogstomp o sería algo totalmente nuevo? ¿Otra evolución en el sonido de Silverchair?.

Los primeros momentos del álbum dan la sensación de que estamos ante The Dissociatives y con Paul Mac a bordo. Toda la primera parte suena a los medio tempos que encontramos en el Diorama (2002) pero con la ausencia de los ganchos claves que uno espera. Sólo con If You Keep Losing Sleep nos damos cuenta que no todo está perdido. Al llegar a la pista épica partida en tres, Those Thieving Birds (Part 1) / Strange Behaviour / Those Thieving Birds (Part 2), damos en el momento clave del álbum. El legendario Van Dyke Parks sublima unos arreglos sinfónicos mientras Johns remonta con unas armonías que simplemente caen precisas, el contagioso Strange Behaviour proporciona un clímax febril a la mezcla. Lo que sigue a partir de aquí es un sonido muy fresco y muy nuevo para la banda. Destaco la esencia de That Man That Knew Too Much, el funky rock de Mind Reader y el trabajo en guitarra a lo Harrison/Lennon en ‘Low’.

Young Modern tiene un defecto importante: su sonido ambiguo como álbum total. Muy pocos momentos permanecen después de escucharlo completo. Esta es una “extraña” mezcla de orquesta y rock, esto no es Silverchair, para muchos esta no es la vuelta que esperaban. Pero para los que aprecian la “evolución” - y no posean un álbum de Nickelback o Hinder - es probable que sea lo único que necesiten comprar por los próximos dos años.
Jali Espinoza Y.

VALIUM
Violencia y Vitaminas
Miu Mau Discos (2007)

Luego de ir y volver por los caminos sonoros de esta ópera prima, es inevitable las comparaciones con referentes anglosajones como L7, Bikini Kill, o 7 Year Bitch. Cada track espetado aquí, es revisionismo puro y sin tapujos, ya todo está dicho, todo está hecho. Aunque algunos momentos están plagados de acordes monótonos, y simplonas tonadillas, este "deja vú" termina convenciendo más por actitud que por virtuosismo.

En Muñeca, uno de los mejores temas, se olfatea desde lejos una alta carga confesional arropada por riffs oscuros y vigorosos: “me dicen muñeca cada vez que voy a la escuela, muñeca, seis letras significan bella, me dicen muñeca cada vez que voy a la acera, me enferma, nadie nunca se sintió tan fea” . Veronik se siente cómoda con su voz y vocaliza mucho mejor que varios machitos pelucones dedicados a balbucear en vez de cantar.

Bastardo, sobresale por ser la más beligerante, le da duro a esos mañosos que circulan por las calles fastidiando y acosando a las chicas, para ellos van estas líneas: “Miras y alucinas mi cuerpo, ¡asqueroso pajero!, no te tengo miedo porque eres un perro, ¡bastardo!. Te diste media vuelta, me quisiste tocar y yo te dije ¡suéltame mierda!, maldito seas enfermo”. Sicalípticos, ya están advertidos. Continuando con la retrospectiva, Metallica y Megadeth también son invocados a velocidades moderadas en los power chords de El Príncipe. La guitarrista Sara Hellen demuestra su buen oficio y conocimientos sobre economías de las cuerdas en favor de lo que pide el tema, los pequeños solos bien colocados de Creo y Extranatural son sus mejores demostraciones.

Si hay algo que agradecer a estas “riot grrrls limeñas” es el transportarnos a los tiempos más efervescentes de los noventas, cuando los riffs demoledores del grunge, el hardcore, el metal y el punk eran más que suficientes para hacer girar al mundo. Con once perturbadoras y corrosivas canciones, las Valium nos ametrallan sin piedad, quedando demostrado por millonésima vez que el rock también se nutre de progesteronas. Nota: no dejen pasar el bonus track, muy recomendable.

Lesli Collao R.

Varios
The Endless Highway: The Music of The Band
(2007)

The Band hizo de la carretera un modo de vida y a lo largo de su extenso itinerario compartió experiencias y escenarios con muchos de los íconos de los sesenta y setenta. Ninguno de ellos pudo sustraerse a la belleza y emoción de una música que reflejaba con sencillez y melancolía el diario vivir de esta banda. Como lo expresara Clapton alguna vez, la música de The Band cambió a muchos. Y también a nosotros.

Endless Highway es un disco de homenaje a The Band, cuyo resultado nos decepciona por su ausencia de creatividad y su plena docilidad a las versiones originales. Entre el I Shall Be Released a cargo de Jack Johnson y el Acadian Driftwood de The Roches pareciera que el tiempo se ha estancado. Lee Ann Womeck con The Weight palidece ante la versión portentosa de The Band y The Staples en The Last Waltz. My Morning Jacket jamás debió atreverse con la bellísima It Makes No Difference (versión de The Last Waltz), de la que quiso copiar hasta la entrada final del saxo sin lograr la genial inflexión que Garth Hudson le imprimió en su emotivo clímax. Josh Turner y Rosseane Cash hacen buen country, pero no arriesgan en absoluto en When I Paint My Masterpiece y Unfaithful Servant, respectivamente.

Widespread Panic logra acertar en Chest Fever. Los vientos y las cuerdas lucen sólidos y convencen, destacando esa guitarra que se sobrepone en la parte final sobre un telón de vientos y sonido de órgano. Bruce Hornsby está en lo suyo en King Harvest y Jakob Dylan, en la melancólica Whispering Pines, muestra su calidad interpretativa, pero sin mayores pretensiones. En cambio, la participación de The Allman Brothers con The Night They Drove Old Dixie Down es raquítica.

El único mérito aquí, es esa convocatoria a las nuevas generaciones, y a los olvidadizos, a volver a las raíces para encontrar la música de este grupo entrañable. Sobriedad en el escenario, emoción en la interpretación, sensibilidad creativa, ejecución genial, fueron las características esenciales de Robertson, Danko, Helm, Hudson y Manuel, buenos muchachos que en su momento fueron conocidos sencillamente como The Band. Maestros.
Rogelio Llanos Q.

THE WHITE STRIPES
Icky Thump
WARNER BROS. (2007)

Afortunadamente Jack White no se dejó convencer del todo por las alabanzas exageradas hacia Get Behind Me Satan (2005), cuya sobrecarga de experimentos barrocos con marimba y triángulo dividió a muchos. En Icky Thump (título derivado de una frase inglesa de respuesta ante una sorpresa) retoma el hard rock blusero, inocula algunos experimentos excitantes y nos vuelve a atrapar con sus efectivos riffs. En el primer corte y single “Icky Thump”, Jack alterna muy bien su guitarra corrosiva con un solo de sintetizador, acompañado por las predecibles baquetas de Meg (la nena es media flojita para practicar más). Sin reparos abordan el tema de la inmigración: “Americanos, ¿no tienen nada mejor qué hacer?, ¿porqué no se expulsan ustedes mismos?, ustedes son inmigrantes también”. El blues rock de “Rag and Bone” tiene un inicio alevosamente clonado del “Back Door Man” de The Doors, si bien los diálogos son divertidos, por ratos suenan forzados. La folclórica “Effect and Cause” y el añejo “Catch Hell Blues” mantienen intacto el interés de los Stripes por las viejas raíces de la música norteamericana.

En cuanto a experimentaciones tenemos a la cautivante “Conquest”, un cover de Corky Robbins transformado en hard rock flamenco, y a la portentosa suite formada por las sicodélicas “Prickly Thorn, But Sweetly Worn” y “St. Andrew”, ambas tapizadas con sonidos de gaitas, la primera llena de percusiones indias, y la segunda, magnificada por la hipnótica voz de Meg (su mejor aporte al álbum). Aunque también hay canciones con los mismos acordes y arreglos de siempre, el saldo final es favorable, más por esfuerzo y pasión que creatividad.

HENRY FLORES

TODOS PODEMOS AYUDAR!!!

(TERREMOTO EN EL EL PERÚ)

Más de 500 muertos, 1500 heridos, 80,000 damnificados, casi 17,000 casas destruidas por el terremoto, nuestros hermanos y hermanas de Ica, Pisco y Chincha nos necesitan!!

Fuente: El Comercio

http://www.elcomercio.com.pe/ediciononline/onlineindex.html

¡Amigos y Amigas todos podemos aportar con algo!

Aquí encontrarás algunas opciones para hacer llegar tu ayuda a los damnificados. No dejemos pasar más tiempo.

RECOLECCION DE VIVERES / ROPA

AGEUP (Asociación de Grupos Evangélicos Universitarios del Perú)

Se está recolectando víveres, ropa, frasadas, todo tipo de cosas útiles en casos de emergencia.

Se ha abierto una Cuenta Corriente en dólares:191_09389688_1_31(código interbancario) 00219110938968813159

Dirección: Jr. Pativilca 170 - Pueblo Libre (Alt. Cdra. 15 Av. Bolivar – Espalda del Museo Larco Herrera)

Teléfono: (051) 461 9153 / (051) 99138587

E-mail: ydelgado@ageup.org.pe (Ps. Yenny Delgado)

HASTA ESTE DOMINGO 19 DE AGOSTO

El Lunes 20 un equipo de esta Asociación estará partiendo rumbo a Ica para llevar la ayuda!!!!

OTROS LUGARES DE ACOPIO MASIVO- ESTADIO NACIONAL
- Municipalidad de Lima- Municipalidad de San Borja

- Municipalidad de San Isidro

- Municipalidad de Jesús María

- Tiendas SAGA FALABELLA, SODIMAC y TOTTUS (en cualquiera)
- PANAMERICANA TELEVISIÓN – Av. Arequipa 1110 – Santa Beatriz (agua y frazadas)
- Asociacion de - Exportadores (ADEX) - Av. Javier Prado Este 2875 - San Borja
- Las parroquias del Perú recibirán, junto a Caritas del Perú, ropa, enseres y alimentos en todas sus sedes
- Colegio Holly Trinity - Av. El Derby 435 Surco (frente a la puerta 3 del Jockey Club).

CUENTAS BANCARIAS ABIERTAS PARA DONACIONES:

El Banco Continental ha habilitado tres cuentas para quienes deseen ayudar financieramente a los damnificados.011-0444-4444444444 (soles)011-0444-4444444446 (dólares)011-0444-4444444447 (euros)

Por su parte, el Banco de Crédito del Perú puso a disposición de la ciudadanía las cuentas de ahorros:193-199999998-0-15 (soles)193-199999999-1-16 (dólares)

MI PAÍS NECESITA DE TU AYUDA

APETITO POR EL BUEN ROCK

(versión 2)

El pasado 21 de Julio se cumplieron los veinte años de la aparición de uno de los discos más trascendentales e incendarios del rock. He aquí una breve revisión.

GUNS N’ ROSES

Appetite For Destruction
Geffen (1987)

A mediados de los ochentas el rock se encontraba en estado comatoso, aburrido y sin ningún atisbo de seducción. Afortunadamente todo eso se fue al diablo cuando en 1987 una banda californiana integrada por cinco sediciosos -típicas muestras del white trash norteamericano-, con una actitud nihilista elevada a la enésima potencia y un rock pesado de raíces bluseras, inocularon al mundo entero su ópera prima, un disco de esos que los padres jamás quisieran que sus hijos lo escuchen, lleno de canciones frescas y lenguaje fuerte, cien por ciento rock n’ roll. Un disco que sirvió de bisagra a dos generaciones: la de finales de los ochentas con los nonatos de los noventas. Llamado provocativamente Appetite For Destruction. Estos tipos eran los Guns N’ Roses, muchachos indomables al extremo, más que rosas eran puras pistolas, y de grueso calibre.

Cuesta creer a simple vista que un álbum tan exitoso haya tardado cerca de un año en llegar a ser el número uno. Esto se debió a la censura inicial de la época. Cuando salieron las primeras treinta mil copias las tiendas se negaron a venderlas porque la portada -obra de Robert Williams- mostraba la consumación de un estupro a una joven ciega vendedora de juguetes por parte de un robot, el cual iba a ser devorado por un monstruo hambriento de múltiples patas; dichos discos fueron devueltos y puestos de nuevo a la venta con la famosa imagen de la cruz, que incluía las caras de los integrantes en forma de calavera. Si la portada inicial ya generaba polémica y malestar, la mayoría de las canciones tampoco se quedaban atrás. Llenas de violencia, sexo, misoginia, apología a las drogas y demás excesos, causaron que los medios más populares de aquel tiempo se negaran a promocionarlas por su contenido explícito. La casa discográfica tuvo que lanzar la canción más inofensiva, Sweet Child O’ Mine, para que recién la MTV pasara un video de ellos, y a partir de allí se desató la invasión gunner.

En Welcome To The Jungle, un riff con eco, solitario y poderoso, nos da la bienvenida, se escucha un “Oh my God!” a manera de sorpresa y pánico por lo que se viene, luego un Axl en su estado más primitivo comienza a desgarrarse, emitiendo un grito salvaje y prolongado sobre unas guitarras que hierven al compás de una base rítmica llena de cadencias. Un inicio a la rebeldía y a la locura desatada, a las letras y actitudes decadentes. Las machistas y misóginas It’s So Easy y You’re Crazy muestran la buena asimilación de sus influencias musicales. En cuanto a licores, drogas y delincuencia, tenemos a Nightrain (dedicado al vino barato del mismo nombre que solían beber como si fuera agua), Mr. Brownstone (un cándido tributo a la heroína), y Out Ta Get Me (sobre policías que no te dejan en paz). Todas plagadas de cuerdas calcinadoras.

Paradise City, con su conocidísimo arpegio, da inicio a unos entonados coros que piden un regreso al medio oeste rural “donde las chicas son lindas y el pasto es verde“, minutos después las revoluciones se multiplican creando un bacanal musical. Sweet Child O’ Mine fue número uno a nivel mundial, tiene uno de los riffs de guitarra más conocidos, aclamados e imitados de la historia, Slash crea sobre notas repetitivas, una especie de elipse musical combinando simpleza y destreza, dando como resultado una tonada adictiva y agradable. Por el lado sexual está Rocket Queen, sus voces y gemidos de un coito real fueron seleccionados de un puñado de “audiciones”.

A partir de este álbum, la carrera de los Guns N’ Roses fue cuesta arriba llegando a ser los más populares y exitosos a nivel mundial por más de un lustro. El Appetite significó un regreso y resurgimiento del rock en su estado más puro y rebelde, con una banda que hizo de él, un estilo de vida tan comprometido, que los llevó a ser una de las representaciones mismas de su quintaesencia.

HENRY FLORES

* el artículo original está aquí.

DNTEL
Dumb Luck
SubPop (2007)

De los tantos artistas dedicados a la indie electrónica y sus derivados, muy pocos son tan osadamente sobresalientes como James Tamborello (miembro de The Postal Service). Su proyecto solista Dntel transita peligrosamente en el límite entre los sonidos nítidos y armonizados, y aquellos que suenan imperfectos como disco rayado. Un buen porcentaje de su trabajo convence, estimula y dicta cátedra; aunque no podamos evitar esporádicos bostezos.

Dumb Luck marca el inicio de este esperado proyecto, es la única sin invitados especiales, por ende, la más personal, la de la fórmula original: tonadas a medio tempo, mitad acústicas, mitad electrónicas, impregnadas de distorsiones sonoras muy sutiles y una voz de bajo tono con intervalos susurrantes. Para este su tercer álbum, Tamborello convocó a algunos amigos acomedidos, repitiendo la estrategia del predecesor Life is Full of Possibilities (2001).

Durante casi cinco años, desfilaron por el estudio colegas que aparte de tocar o cantar, metieron mano en la composición. Por ejemplo, el cautivante trip hop experimental de Rock My Boat sirve como vehículo a las letras sugerentes de la talentosa Mia Doi Todd (Arthur & Yu) y a sus cálidas cuerdas vocales que nos arropan sin titubear. El inicio acústico de Roll On parece cubierto con una capa de esmalte arenoso, mientras la voz superpuesta de la dulce Jenny Lewis (Rilo Kiley) permanece magistralmente imperturbable. Uno de los picos es The Distance -a dúo con Sonia Weston-, calidad interpretativa, atractiva tonadilla y buenos arreglos borbotean en este tema de osambre pop. En cuanto a las colaboraciones masculinas, sobresale Conor Oberst (Bright Eyes), quién dota a la reposada Breakfast in Bed una sobriedad a prueba de balas frente a bizarros efectos ornamentales. Considerado por muchos como uno de los pioneros de la electrónica y el glitch contemporáneo, Dntel demuestra sin alardes porqué tiene el carné de “artista de culto”.

HENRY FLORES

LONEY, DEAR
Loney, Noir
SUBPOP (2007)

Amparado en el seudónimo de Loney, Dear, el cantautor sueco Emil Svanangen , sabe sacarle provecho a sus guitarras, piano y voces de fondo, con arreglos delicados y sobrios. Aquí todo ha sido ejecutado y grabado por él mismo en su apartamento, impregnándole una atmósfera intimista y confesional. Disco por momentos emotivo (I Am John), melancólico (Sinister In A State Of Hope) y refrescante (And I Won't Cause Anything at All). Emil ensambla muy bien sus canciones. Pareciera que recibió clases del mismísimo Brian Wilson o de los hermanos Gibbs. Pocos artistas suecos como él logran controlarse sin llegar a ser melifluos, y eso se agradece.

Paul Eduardo R.